浅谈京剧服饰的传统与革新

色彩斑斓，飘洒自然，庄重妥贴，满台生辉的京剧服饰，服从表演形式的需要，经几代人的更改，得以尽善尽美。到了当代，京剧服饰更需因表演而发生革新。

从广义讲，京剧服饰属于舞台美术。因为它受舞台艺术时间、空间的规范，同时又是很具体很形象的直观部分。从功能上说，它又是内容赋予形式的形象。要为内容的时空创造具体典型环境，刻画人物内在及外貌的部门。它是戏剧不可或缺的组成部分，即使是在“守旧”的时代也占有重要位置。

京剧服饰可以根据服装如蟒、靠、褶、帔、衣的制作要求表现戏曲各行当的人物所处时代、身份地位、性格、形象……。在此基础上，各前辈大师、各家流派的特点，他们的创造发展都可通过京剧服饰明白地展现在我们面前。

京剧服饰是随着京剧继承传统并顺应历史，不断推陈出新，不断地发展着，并拥有了自己独特的艺术美。

首先，中国戏曲服装逐渐形成现在的模式是经过长期的创造、改进和优选而形成的。在人物造型上，它是从广场演出发展起来的，在庙台社戏的演出都拥有广大观众，所谓“高台教化”，这就使表演者和观众有着较远的距离，所以它首先确定了艺术夸张的原则。在化妆上为使观众看清眉眼，所以就粉墨登场，浓眉重目，深描眼帘，进而勾画、创造出脸谱，不但强调眼窝、鼻窝等深陷部位，还根据面部肌肉，骨骼夸大明暗，把髯口夸大加长。这夸张的手法是中国化妆上独特的创造。

在服装上也和化妆一样也是大胆的夸张，运用色彩学来表现人物性格的塑造，以色彩线条给人以艺术的感染。所谓红忠白奸，黑为刚强粗犷，黄为智谋聪慧，蓝为猛，绿多怪，金粉表现仙神。在脸谱的构图上，还运用六书的原则，以象形、指示、会意、形声、转注、假借来构成对人物性格、形象的表现力。在化妆造型中如此，同样在服装设计中对美学的运用也如此，先辈戏曲服装的设计者也充分运用了色彩学和工艺美术的绘画等原则，使花卉、饰物变形，以自然美更适合服装的装饰性、图案性，以此来为人物造型服务，来表现人物个性及其美的特点。不能说先辈们都精通美学的诸原则，但他们从传统中、民族民间的艺术中学到了运用对比色的强烈；有时运用中间色的谐和，把三原色和复色运用得那么自然调和，充分发挥了色彩给人们造成的美感和共鸣。比如中性色的黑、白，它在黑蟒，白蟒的使用上和面部是统一的。因为黑色古称“玄”色，象征对天的崇敬，所以在民族审美意识中给人以庄重气派，则多用在刚直豪放性格的人物身上，如包拯、张飞、项羽等以勾黑色脸为主的人物用之；白色也是中性色，它具有圣洁、俊秀，潇洒、儒雅的美感，所以杨延昭、赵云、周瑜等人穿用。但使用红和绿这对比色，则把脸谱和穿戴就大胆地用于一身，使人感到忠正，血气刚义之气，用这刚柔相济之对比色把关羽、赵匡胤的正红脸色和绿色蟒都衬托得更为鲜明，但这中间还有黑色髯口、平金彩绣互为相补而使之不俗。

除色彩的运用外，服装也运用夸张手法，把束在腰间的腰带悬挂在蟒袍上，把靠肚子垂在腹前，使袍褶的腰身摆幅宽大舒畅、便于舞蹈等。总之处处可以看到服装的美是服从演员表演的。

京剧服装虽成型于清代，但它的服装规格样式都是以明代服饰为基础，吸收了历代服饰之典型，加以综合和美化，至于清装则专有清制服饰。不过像《四郎探母》之驸马服装则是约定俗成，很难作历史的考证，这也许是在京剧中为了多样的统一，顺应艺术风格的习惯吧。

少数民族的服饰虽然也形成了一套程式。但不太重视历史生活的考究。只取其主要某个特征，而略其琐细之区分。

戏曲服装的装饰图案是非常讲究的，总体上说是在传统审美习俗中进行了系统的加工，可说是集传统图案之大成。最突出的要数龙凤图案，在海内外都承认炎黄子孙是龙的传人。自新石器时代之后，在亚洲这块中原大地上，形成的各部族，选择了龙和凤作为崇拜物，制成这群体的标帜，做成部族的图腾，这是当时意识形态的反映，是先民们以当时的物质条件用最虔诚，最专注的心清，集群众的观察，想象和所掌握的艺术手段，以具象和理想的结合表现他们的信仰和精神动力。它凝聚和寄托了先民美好的崇拜心理，绘制成图腾以标志他们美好的愿望。创造龙凤图腾的过程是漫长的，从甲骨文和金文中，可以看出发展的复杂过程，经过不同时期的历史演变，直到宋、元、明、清才逐渐成熟。从图腾到帝王的象征——代表皇权，称为真龙天子，把龙神化作为统治者的化身，在这历史长河中的龙和凤蕴含着人民的智慧和美与力的丰富源泉。直到把它引进到为帝王将相的服饰图案它还保留着等级观念和神秘的威严。

从这里更可以看出，从生活美中筛选提练到艺术美是要创作者的修养，是要按照各种艺术规律的途径，把不同类型的艺术美纳入统一的综合艺术美，使原有的个性、功能超越它原有的性能成为综合的总体的光彩。