华山1914……

台湾，一块文化创意蓬勃涌动的岛屿。

在这块岛屿上，中华传统文化﹑台湾原住民文化﹑殖民时期遗留的欧洲和日本文化，以及战后风行的欧美文化互相交汇和融合，在文化上形成多元并存的格局，为创意提供了极具异质性的文化基因。同时，随着民主化进程的推进，自由开放氛围的营造，政府管制的放松，人们得以百无禁忌地创新，甚至“敢想就会赢”。这块岛屿，遂成为文化创意的沃土、华人世界创意人才的大本营。

尤值一提的是，在台湾文化创意的成功案例中，很多都是既吸收了中华传统文化的养分，又结合了最新的时尚元素和国际化的审美趣味。当文化的要素被巧妙地凝结到精致的日用器物之上或周围环境之中，就有一种直指人心的力量，潜移默化地滋养精神，润泽生活。

未来若干年，“中国制造”势必转向“中国创造”。人们丰衣足食之后，亦当求个心安理得。早行一步的“台湾创意”，对我们或许不无启迪。

华山1914：“酷自在创意聚落”

这里有周杰伦和刘谦合开的音乐魔术创意料理“Déjà vu”，店名取法文“似曾相识”之意，每晚均有魔术表演在此举行；这里有庾澄庆开的“Legacy”，作为台北音乐文化发声基地，门前总是排着长长的人龙；这里有被规划成跨界美学空间的独立书店“好样本事”，享有着“全世界最美的20家书店”之美誉；这里被称为台湾“出镜最多的文创园区”，许多电影均在此取景。2006年，简单生活节在这里掀起朴实生活的流行；2009年，汉字文化节在这里让中华文化显得如此亲切；2010年，众所瞩目的台湾设计师周在这里型塑未来的梦想；2012年，电影大师侯孝贤的光点电影院在这里发光……

这里，就是“华山1914”。

进入“华山1914”的大门，这里的建筑物都会立刻将视线紧紧攫住：传统工法烧制的红砖、被时光熬洗过的木门、窗户、瓦片、隐没在草地上的酒瓶。步入园区室内，只见挑高的空间、铸铁的栏杆、挖空圆洞的天花板，每一寸都有浓浓的历史感……

在台北所有的文创园区中，“华山1914”虽然面积不是最大，但却是发展最早、营运最为成熟，同时也是人气最旺的一处。台湾著名私房菜“食养山房”的创办人林炳辉则认为，华山1914“是台北市难得的净土，可以吸引忙碌的现代人来此沉淀、静思、冥想”。

“华山”之名，源自此地在日据时期的地名“桦山町80番地”。“桦山”取自日本首任台湾总督“桦山资纪”，在抗战胜利后被改为“华山”。“1914”乃是这块土地开始酿酒的年代，最先是两个日本人修建的“芳酿社”，后来此地建造了台湾最大的酒厂。1987年，酒厂搬迁，那些日据时期的制酒产业建筑群，自此荒废十余年。1997年，一些艺术家意外发现此地，深感酒厂保有过去台北产业与生活的空间记忆，非常适合成为一个与城市生活相结合的多元艺文展演空间。在各界人士的努力下，到1998年8月29日，“华山艺文特区”正式挂牌，成为公共空间。几经变迁，2007年，在全面整修及公开招标后，全新的“华山文化创意产业园区”正式运营，被官方定位为推动台湾文化创意产业发展的旗舰基地。

在公开招标中，ROT（Rehabilitate重建、Operation营运、Transfer转移）部分由“台湾文创发展基金会”经营。基金会董事长王荣文为华山定下独有的基调：“酷自在创意聚落”。在华山，“文创”被界定为“就像一颗果实，文化是果核，创意是果肉”。“华山从酒厂出发，以文创转身，而无论是酒厂或文创，都是‘缘于酝酿，成于分享”。

王荣文说，金庸笔下的华山，是江湖英雄比武论剑的擂台；台湾的华山，将是文创产业高手竞飙创意的舞台。他将“华山”描述为“世贸中心”“孵梦基地”“未来橱窗”和“休憩胜地”。

在华山，人们不仅能看到最新锐的创意，也能看到最古老的传统文化。这里有“约茶不夜”，一个台湾茶文化的收藏聚落；也有“老丛茶园”，一个台湾茶文化的孵育温床，每年一度的“笑傲江壶展”已成茶艺界的盛事。位于大门旁的“1914 Connection”，是台湾第一家当代设计师礼品专卖店，店内摆放地方原乡时尚商品，涌动着台湾文创的丰沛能量。还有一个叫“花草雨林”的地方，由李家维教授运用热带雨林的珍贵物种活体，营造前所未见的空间氛围，展示出许多台湾特有的物种，突显出自然与人文的和谐永生……

在华山，还有很多稍不留神就会被错过的风景：华山户外剧场上，被民众当作随性歇腿的椅子是雕塑家杨柏林的青铜名作《岛屿系列》；在广场旁的白千层树阴下，由阶梯、广场与通道共同构成的“千层野台”是建筑名家邱文杰设计的作品；顺着阶梯上到二楼，是“风潮音乐旗舰店”，它是台湾规模最大的独立唱片公司，常常有小型音乐会在此举行。

如今，“酷”且“自在”的华山1914已经如王荣文预期般成为一个“跨领域创意玩咖群聚、生活的创意枢纽”。“未来的华山，终将成为一本大书、一个舞台、一个风景、一所学校，让每个人找到最适合的角色，尽情书写、表演、体验和学习”，这是王荣文的心愿。

台北故宫：创意来自开放

以虚构的雍正皇帝后宫后妃争宠为背景，电视剧《后宫·甄嬛传》中一句“朕知道了”台词红遍海峡两岸。台北故宫博物院在2013年7月推出同款的创意纸胶带，胶带上印有康熙皇帝朱批真迹“朕知道了”四个字，三卷一盒要价新台币200元，当天就被抢购一空，后来还几度脱销，日销售量曾创台北故宫文化创意商品新高，并在网上引发热烈讨论。

设想一下，这霸气的“墨宝”粘贴在纸张或礼盒之上时，那封存之物立刻就有了岁月的色泽，又会因皇上的“一笔参与”而身价倍增。这些皇帝朱批纸胶带“稳准狠”地抓住了年轻人的心理，既有文化历史感，又能在实用的基础上幽人一默。

“朕知道了”胶带热卖之际，有媒体翻出旧账指出，买卖皇帝的朱批不算什么，台北故宫可是连皇帝的脸面都敢卖。比如他们卖的一款便条纸叫“宗心为你”，是把馆藏画作里的唐玄宗头像设计成卡通可爱版人物，三撇小胡子、两个红脸蛋，一下子把皇家气象变为现代动漫。而用撅着小嘴的唐朝仕女卡通人像制作的另一款产品则叫做“想入妃妃”——这样别致独创的设计，即使是对唐朝文化不感兴趣的人也會被吸引。

其实，相对于红极一时的“朕知道了”，翠玉白菜系列才是故宫文创产品的常青树。翠玉白菜的原件，是清代艺人巧妙地运用一块一半灰白、一半翠绿的灰玉雕成，把绿色的部位雕成菜叶，白色的雕成菜帮，菜叶自然反卷，筋脉分明，绿叶上还停留着两只寓意多子多孙的螽斯和蝗虫。翠玉白菜受到游客的格外垂青，甚至成为台北故宫的形象代表。围绕翠玉白菜，相关文创衍生品达200多种，除了较为常见的仿制品摆件、钥匙扣等，还有翠玉白菜造型的晶莹剔透的U盘、可爱的“白菜头”铅笔、装了一肚子特制台湾蜜饯的“白菜罐”，乃至翠玉白菜伞，等等。2012年，该系列的文创产品的销售额达到新台币1.4亿元。

台北故宫汇集了南京国立中央博物院、清代北京故宫、沈阳故宫和承德避暑山庄、中国青铜器之乡宝鸡等处旧藏之精华。65万件收藏，不论是图像、造型，还是工艺、故事，都是可供创作的元素。衍生文创商品大致分为三类，一种是精致优美的复制书画、仿制器物，二是出版品及数码出版品。而最受欢迎的，莫过于物美价廉、古典和现代元素完美结合的小玩意，包括挂饰、文具、生活用品等。这些小玩意完全打破了“老古董”可望不可及的刻板印象，走可爱、优雅，甚至夸张路线。例如，胖胖的清朝官员公仔造型的盐罐，画有《清明上河图》的餐垫、行李吊牌，印有《兰亭序》的iPhone手机外壳、购物袋，以明代宣德窑瓷器上的青花转枝番莲纹为主题设计的柔软的羊毛鞋、羊毛皮笔记本，等等。

曾几何时，台北故宫也是“高高在上”，以至被民众称为“太庙”，只卖些简单的文物复制品而已。2000年以来，台北故宫文创产业才逐渐起步。2008年，周功鑫接掌台北故宫博物院院长，力推“形塑典藏新活力，创造故宫新价值”的口号，利用藏品的丰富度与多样性，研发可跟生活结合的实用物，藉此提升民众的艺术素养与生活品味。

台北故宫拥有大量的文创商品，却没有专门的文创团队。创意从何而来呢？答曰：开放合作。方式主要有三种：首先是图像授权，就是将故宫藏品图像授权给有知名度和值得信赖的商家。其次是双品牌，与知名品牌合作，在文创商品上标明台北故宫与合作方的名字。第三，也是最有效的合作方式，就是開放征集设计方案。一是通过举办台北故宫文物“衍生商品设计竞赛”，向全社会公开征集优秀的文创提案。例如，颇受台湾本地顾客青睐的“翠玉白菜伞”，就是由一位17岁的在校女生设计的，是2010年竞赛的获奖作品。二是商家自己提案，再由台北故宫“文创开发商品审查委员会”审查。“审查委员会”由业界、专家和博物院有关人员组成，台北故宫博物院内外人士各半。为此，台北故宫还组成了一个40人的院外人力资源库。这40个人都是各类文物方面的专家。依照文创商品所涉及的文物，从中挑选人员参加“审查委员会”。

目前，台北故宫与90余家台湾本土及国际知名厂商合作，已推出近2400种文创商品。2012年，台北故宫礼品店收入达7.2亿元新台币，甚至略高于门票收入。

虽然文创商品获利颇丰，台北故宫文创行销处处长徐孝德却表示：“我们不会为了赚钱而随波逐流。”在“朕知道了”因《甄嬛传》而爆红之际，围绕该剧衍生的“臣妾做不到啊！”“贱人就是矫情”等纸胶带在市场上虽然也卖得红火，但进不了台北故宫的商店，因为台北故宫所有文创商品都要跟典藏文物相关。徐孝德说，台北故宫推动文化创意产业，其实是教育功能的延伸，“游客欣赏台北故宫，感动之余买回文化商品，给人生留下纪念”。礼品的说明书会说明历史背景、背后故事，“无形中，中华文化就会渗透到全球”。

法蓝瓷：让东方风味走红世界

瓷艺发端于中国，有过“四大名窑”的辉煌，但近几十年来却显得有些落寞。纵览世界陶瓷市场，欧洲名窑可谓后来居上。中国出口的陶瓷，多为价格便宜的中低档产品，徘徊在高端消费市场之外。

面对此境，陈立恒说，中国人要把失去的光辉抢回来。他认为，中国陶瓷之所以沦为地摊货，技术不是问题，主要输在设计和创意上。但只要有好的学习对象，台湾的创意一点都不输给外国。2001年，他在其家族企业台湾海畅实业旗下，创建“法蓝瓷”品牌——这个有点欧化的品牌名，来自陈立恒的德文名Franz。

推出不久，“法蓝瓷”品牌初试啼声，以一套蝶舞系列，一举拿下2002年纽约礼品展“年度最佳收藏品奖”。在这个系列中，设计师何振武从敦煌飞天壁画中的天女彩带得到灵感，转化为羽化后的蝴蝶彩翼，在杯盘上翩翩起舞。“蝶舞”系列最成功之处在于中国人看到瓶身上的这对彩翼，会联想到敦煌的飞天；但同样的彩翼，西方人看到后，就像看到希腊神话中维纳斯雕像上的双翼。“法蓝瓷在设计上的优势，就是东方人看起来像东方，西方人看起来像西方。”短短一句话，道尽了法蓝瓷的设计精髓。

此后，在创意之路上，法兰瓷越走越娴熟。

比如，在西方文化里，瓢虫是幸运的象征。法兰瓷借此设计制作了一套名为“飘然忘忧”的产品，全套产品由瓷瓶、茶壶、椒盐罐、烛台等构成，娇俏可爱的小瓢虫与雏菊相配，淡雅而有情趣，推向市场后很受消费者欢迎。

“福海腾达”的设计构想，则来自于皇帝龙袍上的图腾，其中蝙蝠代表福气、海水江牙则代表山河版图，把帝王贵气在一张餐桌上展露无遗。将郎世宁的工笔画和康熙皇帝的龙袍在日常生活中的瓷器上面复活，这种“古旧时尚”成为法蓝瓷的新创意源头。陈立恒认为，东方风味要在全世界走红，品牌就必须深刻理解和借助中国的文化资产。

近年来，法蓝瓷业绩增长大好，全球跨界合作也是其重要法宝。在美国市场，法蓝瓷一个令人意想不到的渠道就是迪斯尼乐园。大小朋友都对《爱丽丝梦游仙境》的主题茶壶、彼得·潘与小鹿班比造型的瓷杯瓷盘赞不绝口。在欧洲，法蓝瓷则出入时尚圈。近三年为Lanvin打造的多款美女瓷偶，在巴黎时装周造成大轰动。

“要用活在当下的心情去打造传统产业。”陈立恒说。在他看来，瓷器并不是只放在橱窗里供收藏的观赏品，也可以用于日常生活之中。法蓝瓷的设计中，似乎无不可以入瓷。陈立恒设计制作了陶瓷椅背、陶瓷吧台、陶瓷壁炉墙壁，他的下一个目标甚至是陶瓷手机。

面对未来，陈立恒说要打造“世界新名窑”，占据世界陶瓷艺术的制高点。他自信，即便人类灭绝，外星人来到地球挖出法蓝瓷时，也会“非常惊讶”。他还清楚地记得，有一次，一个德国朋友由衷对他说：“感谢你们中国人，发明了瓷器，当我们德国人还在用木盘子、铁盘子盛东西吃时，是你们带来了中国的瓷器，让我们变得温文尔雅。”

琉璃工房：“创作有益人心的作品”

2001年，第73届奥斯卡奖。

台上，华裔导演李安执导的中国电影《卧虎藏龙》，一举夺得四项奥斯卡奖桂冠。台下，中国艺术家张毅、杨惠姗夫妇创作的一组题为《将进酒——古风六品》的琉璃艺术品，破天荒进入了奥斯卡嘉宾的礼品篮，成为这届颁奖仪式的一大热门话题。这是一组由六个不同色彩、细部处理各异的酒杯组成的系列作品，分别名为《遨天》《清和》《舞羽》《啸风》《品乐》《闲情》。酒杯古朴却不失典雅的造型，脱胎于中国古代酒器之一的“斛”。而材质，则也是在两千多年前的中国就已经出现过并且风光一时的琉璃。而这些艺术品的设计者，亦曾是电影界的风云人物，让人不禁感叹世事之奇妙轮回。

二十多年前的张毅和杨惠姗，一个是金马奖最佳导演，一个是金马奖影后，在台湾电影界名重一时。1987年，他们合作一部电影时，第一次接触到琉璃艺术品的道具。两人几乎同时感悟到，这通体透明光影永恒的琉璃，应该是承载他们终生情感最好的载体。

就在那一年，他们在台湾淡水创办琉璃工房。对琉璃工艺几乎一窍不通的影坛夫妻，在创业初期一味学习西方，经历多次失败，曾负债高达7500万新台币。后来，得益于一位日本专家的提点，他们决定将琉璃工房的风格指向中国传统文化，从传统文化中挖掘灵感。在这一思路下，他们相继创作出“敦煌——人间八千亿万佛”“天地之间”“松竹月影”“生生不息”“大圆融欢喜”等系列作品。强烈的传统中国语言融合了现代思想，加以琉璃脱腊铸造技术的高度掌握，为国际琉璃艺术界提供新的视野，引发强烈反响。

如何让琉璃走入现代生活？这也是张毅和杨惠珊一直在思考的问题。杨惠珊开发出以琉璃为主要材质的首饰品牌——“观念佩饰”，推出的每一系列首饰都有一个特别的主题，如“不会因为你而改变我的样子”系列，表达对拥有自主性格、特立独行的美国知名女画家欧基芙的敬意；“打开心里的窗户，让阳光进来”系列，以海伦·凯勒的故事激励女性追寻生命的阳光。“如果有一些作品，能将女性在人生历程中深刻的情怀表达出来，一定很美好。我期许观念佩饰带给女性朋友更多的是一种心灵的力量。” 杨惠珊说。

从2001年开始，琉璃工房将琉璃与其他材质如陶瓷、木头等结合，开发创意家居产品。“我们不断从材质出发，探索琉璃在现代生活中设计的种种可能，超越琉璃在装饰性与工艺性上的表现，将文化生活融入衣食住行中。”张毅说。“透明思考”餐厅就是杨慧珊和张毅的探索成果。这家餐厅从屋顶、墙饰、地板，到客人所使用的餐具等都与琉璃有关。

面对传统文化的断层，张毅和杨惠姗思考着如何将属于中国人的情感和故事，用琉璃工艺语言表现出来。他们认为：“每一件琉璃工房的作品，不仅仅是工艺美术品，它更是一个载体，承载着情感。”“基本上，我们不判断市场的商业动向。我们希望从心灵上，从精神上，情感上，做市场的支持。我们经常提醒自己，设计如果只是设计，没有深入的意义，充其量那只是‘造型。” 他们要“永远不断地创作有益人心的作品”，“努力地在美感需求下，架构一个安详的社会”。

食养山房：“以贴近自然为本意”

年轻时，学制图的林炳辉是一名小建筑商人，在工地忙进忙出，为的是偿还宜兰老家的债务。环境压力让他喘不过气来。生意不顺，公司停业，他来到新店山中，租一间铁皮屋，且住着喘息喘息。

一次偶然机缘，在国小任校长的朋友请林炳辉为二十多位教职员做一餐饭。从来没进过厨房的他，以“招待朋友”的心情接下邀约，反应却出乎意料地好。愈来愈多的朋友“请他作餐”，铁皮屋也被朋友们装点成古意盎然的食饮空间。“食养山房”的雏形，就这么有意无意地形成了。

1996年，食养山房在台北县乌来成立。2005年12月，因为人气太好，乌来店结束营业，搬到阳明山松园旧址。2009年，再度因为人气太好，松园店结束营业，搬到更为偏远的新北市汐止深山之中。

“生意一好，我就觉得工作无趣味了，就是为了赚钱，没有人生的乐趣，所以就关了第一期、第二期的食养山房。” 林炳辉说。经營多年后，他不再想要庭院，想要所谓“美的空间”，而只想要一块“干净”的地方。这片被遗忘在荒野之中的山谷，他一看就很喜欢。

林炳辉最大限度地保持了山谷的自然风貌，无论是空间还是风格，一切以贴近自然为本意。他不铺石头道路，不除草，只顺着河流勉强建造了一条人行步道而已。最主要的餐厅建筑群，只是利用农民旧有的石头房子略加改造，就像这里的植物一样，是慢慢长出来的。他在屋外面加宽了长廊，整个就餐空间多了一倍。将屋顶利用起来，做成了二楼的就餐区域。建筑材料延续当地的风格，石头、钢铁、竹子，素到缺乏特征。旧石墙也只做了消毒。他添加的装饰就是旧家具和烛台，外加陶瓶里插的鲜花。一有客人，烛台立刻点燃：“别小看蜡烛光，它是最好的装饰品之一。”

虽然山房离台北市区有数小时车程，各地艺文人士、高官贵族却争相前往，还需提前几周预约。山房并无菜单，宾客只需在预约时选择荤素套餐，剩下的就一切“听候发落”。店家会根据当季、当天的食材决定菜单。从烹调的方式、食物颜色、造型的搭配到器皿的选择，处处独具匠心。有一道压轴菜叫“莲花羹”，在莲子、藕和蘑菇炖成的浓汤端上来的瞬间，把一朵夏天采摘的干莲花放进去，莲花静静地一瓣瓣绽放，直至完全盛放在汤水间，惊艳堪比昙花一现。一顿饭下来，着实吃了“一朵花开的时间”。

如今，林炳辉已不太操心具体事务。“食养”积攒了一批忠实的追随者：一开始是大学生来打工，慢慢喜欢上这里的生活，每日喝茶、诵经，食物清淡，位置又在“隔断红尘三十里”的山中，他们觉得这不仅是一份工作，而是一种生活方式，或者说是一种修行。

在这个“成功就是找到一种成功的方式并且不断复制”的年代，林炳辉似乎并没有那么大的“野心”。他只以真正来自生活体验的创意，安静地沉淀累积。