浅谈如何提高钢琴演奏的艺术气息

李佳骏

（哈尔滨师范大学，黑龙江 哈尔滨 150006）

浅谈如何提高钢琴演奏的艺术气息

李佳骏

（哈尔滨师范大学，黑龙江 哈尔滨 150006）

本文论述了在钢琴演奏过程中，演奏者如何通过钢琴这门优雅的艺术提高自身的艺术气息。从不同的方面和角度帮助自身来提高钢琴演奏水平，尽最大努力使每一位热爱艺术的人都能感受到美的熏陶。对于提高自身的艺术素养，提高自身品质都有着重要的意义。本文研究的目的就是为了提高钢琴演奏水平，进而提高钢琴演奏的艺术气息。通过搜集资料的方式，对资料进行严格的整合，总结出很多有效的方法来帮助演奏者提高钢琴技术。

钢琴基本功；钢琴练习；钢琴的艺术气息

现如今，学习钢琴的人越来越多。钢琴这门艺术，已经逐渐的体现出它的普遍性。虽然钢琴学习如此普遍，但是人们可能会忽视一个比较重要的因素，这就是钢琴演奏与艺术相结合的气场，在这里我简称为艺术气息。为了提高钢琴艺术气息，本文将从三方面对演奏者提供参考。旨在提高演奏者的钢琴技术水平，进而通过演奏，丰富钢琴演奏的艺术气息。

一、重视钢琴基本功

在练习钢琴的过程中，演奏者应回归钢琴基本功练习。因为钢琴教育水平良莠不齐，不同演奏者之间的基本功水平相对来说差距甚远，任何时候都不能抛弃基本功的练习。拥有良好的基本功练习，演奏者才能弹更加好听动人的曲子，才能为自身散发艺术气息提供根基。基本功的掌握是钢琴的第一步，不仅能让练琴有效率，也可以使演奏者的外形符合艺术的气质。

所谓“细节决定成败”，不少演奏者在演奏过程中可能会背离初始练琴的方向，逐渐地忽视基本功的重要性。首先就是坐姿，钢琴琴凳是为了方便演奏而设计的，演奏者应坐琴凳的二分之一或者三分之一，这样可以使全身都融入到演奏当中。合适的琴凳的高度为手放在琴键上时小臂呈现水平的状态。身体应坐在钢琴琴键小字一组e和小字一组f之间，这样对钢琴所有的琴键都能驾驭到。身体与钢琴之间的距离以小臂与大臂之间的角度为基准，以大于90°与小于130°为宜。脚部应起到部分支撑身体的作用，为保持身体平衡提供根基。在上述基础上，演奏过程中上身应保持挺直但放松的状态。

钢琴这门乐器，对手部的要求极高。正确的手型站立对演奏之前来说至关重要。对于长跑运动员来说，放松状态下的慢跑是比赛过程中的关键。因此，放松状态下的手型是钢琴演奏的前提。演奏者应将手垂放在身体的两侧，体会手及手臂放松的过程。然后手型不变，将手放在琴键上，手指的掌关节略微突出，手指的一、二关节支撑住。记住，此时的手型就是最佳演奏钢琴时的手型，此时手指与琴键之间的接触面就是钢琴演奏时的接触面。

钢琴的断奏练习要充分体会手指与琴键之间的接触，体会手指关节的支撑。切忌在音色发出后，手臂继续用力的情况。之后的连奏过程中，体会力量在手指之间的重心转移以及手指掌关节的主观能动性。在高抬指的机能训练中，重心也应平稳，切不可急于求成。其他的基本练习都是在此基础上衍生出来的，在此不必赘述。

二、钢琴练习时应注意的问题

（一）对钢琴作品的要求

钢琴作品做为演奏钢琴音乐的媒介，成为了演奏者与钢琴之间的纽带。因此，演奏者应在演奏之前对所演奏的作品有一定的了解。可以从钢琴作品的作者、创作背景、音乐风格、乐曲的音乐术语等入手，从多角度来挖掘钢琴作品的内涵。进而了解作曲家与所做作品之间的联系。

（二）对钢琴练习的要求

钢琴练习应有效率，合理的练习是提高演奏水平、增加演奏气场的关键。在刚开始练琴时，可以加入基本功的练习。这样不仅可以使手部活跃起来，同时也可以让身心投入到钢琴演奏中。以哈农的《钢琴练指法》为例，在练习某一条的过程中，钢琴演奏者可以通过改变音乐要素的形式使钢琴练习具有多样性和趣味性。通过改变节奏、转调方法等提高此书的实用性。这种方式可以提高手指的耐力和机能，为演奏钢琴练习曲和钢琴乐曲等提供基础。

练琴过程中不出现错音最为重要，因为错音的出现对于演奏钢琴作品来说毫无意义，而出现错误时，应从该错误处前部分小节开始演奏。练琴应始终有节奏，所谓“节奏是音乐的灵魂”，大自然中一切有生命的生物都有“节奏”，因此，为了使钢琴演奏更具有感染力，练琴过程中始终有节奏伴随是至关重要的。此外，在练琴过程中，手部应有平衡性，手部的平衡与手指触键的角度息息相关，这就对手腕甚至是大臂的运动轨迹有所要求，练琴时应深入体会，触键时舒服放松的状态是良好平衡性的体现。此外，合理且照顾全局的指法也应得到重视，除了特定的指法要求外，一般指法的编排都是为了后续音符所设计的，这样为熟练演奏提供基础。以上则是练习钢琴过程中的硬性基本要求。最为有效的练琴，应为演奏者的头脑。脑部的思维应一直保持活跃的状态，在练琴过程中，思维应走在音乐的前面。正如人说话一样，思维不活跃会导致说话时口吃。因此，练琴时良好的思维习惯是尤为重要的。练琴是动脑的过程。

根据注意力的分配原则，练琴过程中有以下几种方法：看谱演奏与看手演奏相结合；快速练习与慢速练习（为主）相结合；单手练与双手练相结合；分段练习与整首演奏相结合。以上四种方法在练习过程中可以根据自己的需要而进行取舍。对于技术难点应高度重视，切不可在练琴时一带而过。

长时间的练琴可能会乏味，因此练琴过程中应享受音乐，因为钢琴演奏者不仅在制造音乐，同时在欣赏音乐。在倾听的过程中，体会声音是否饱满、均匀、圆润、明亮；倾听时值、强弱和主次关系；体会乐句的连贯以及音乐的呼吸。检验音乐是否动听的器官就是人类的听觉，形成良好的听觉反馈是改变错误之处、提升演奏效率重要的一环。

三、对钢琴艺术气息的理解与感悟

要想将钢琴的艺术气息发挥得淋漓尽致，演奏者自身的素养要达到一定的要求。从身体素质层面上来讲，演奏者的肌肉紧张和僵硬、动作不从容、不自然，尤其是演奏难度较为高级的曲目，演奏时较为慌乱。这些都会使得钢琴所演绎的艺术气息遭到破坏。因此，基本功和基础练习的要求和方法应在练琴过程中始终伴随，所谓的“不忘本”在这里有所体现。从心里素质层面上讲，演奏者内心所知所想是尤为重要的。演奏者在演奏钢琴时应逐渐体会和意识到人与琴之间是和谐的关系，两者之间应有协调与沟通。演奏者与钢琴之间的触键为手指第一关节，充分体会此联结在事物发展中的规律，体会心灵层次的触感。长此以往，人与钢琴之间的关系才能逐渐密切。演奏者对钢琴的气息有所把握，最为重要的就是对钢琴演奏时的气息的要求。

（一）对钢琴音乐作品的深度把握

音乐具有着时间性的特点，欣赏音乐的过程，就是在时间流逝当中体会音乐内涵与气息的过程。对于音乐作品来说，这样的过程应从整体到部分再到整体再到部分来回循环的方式去理解与把握。在练习的过程中，演奏者应对音乐的曲式与和声有所了解。之后将乐曲分成互为区分的各个部分，或者从其他音乐元素的角度对乐曲进行归纳与梳理。甚至将乐曲分为一句或者一个音来进行研究。因为每一个音、每一个音乐术语都是作曲家的结晶，认真对待是钢琴演奏者的责任。之后通过肢体与内心将“碎片”有机整合，达到一气呵成的感觉，从而建立起对音乐作品的整体感。但盲目的整体练习不宜过多，对于较为困难的、力不从心的音乐片段，应反复、慢速地加以练习。

把握音乐作品的音乐风格也是提高自身音乐素质的重要一环。所谓的音乐风格，指的是每个国家和民族都有属于自己特有的钢琴音乐。因此，对与演奏者来说，准确且处理不同风格类型的钢琴作品就显得有一定的难度。根据西方音乐史的划分，钢琴艺术共经历了四个时期：巴洛克时期（1600-1750）、维也纳古典风格时期（1750-1820）、浪漫主义时期（1820-1900）、印象主义风格时期以及20世纪现代音乐风格时期（1900-2000）。对于这四个时期风格的把握是一个长期的过程，需要演奏者从触键方式、踏板运用、层次、装饰音、气息等方向做出不同的处理。这是一个日积月累的过程。在把握作品风格后，演奏者对于所演奏的作品的方法就会有一定的导向性。

（二）钢琴技术与音乐表现的统一

作为享有“乐器之王”美誉的钢琴，所带来的艺术氛围与气场是不容小觑的。钢琴成功演绎的背后，殊不知演奏者经过多大的努力才会有所成就。技术始终是钢琴演奏的难题。不同的曲目所要求的技术难点有所不同。根据练琴的经验，一般情况下，难点可以划分为以下几点：手指机能、乐曲速度、乐曲曲式、音色等。这些难点的克服是一个长期的过程，需要演奏者逐年累月地积累方可有所进步。其中，对于手指机能，应在十个手指灵活的基础上加入音阶和琶音、八度自己和弦的练习；克服乐曲的速度的难点，要求演奏者学会变速练习，慢速、超速、变节奏等方法值得一试；乐曲曲式包括结构和和声两个方面，演奏者应在音乐横向与纵向两个方面来把握音乐，深入体会音乐和声的张力与音乐结构的严谨；音色变化的处理是演奏者所追求的目标，演奏者应将注意力放在手指与琴键的接触的位置，演奏者触键的角度、速度、力度、高度以及自己身体所参与的重量也是改变音色的方法。演奏时应体会不同触键方式所带来不同的音乐色彩。

在具体的乐曲中，对于难点可以在演奏前就应有所涉及并练习，以防止演奏者在整体演奏中措手不及、手忙脚乱。在练习的过程中逐渐消除这些难点所带来的紧张感，消除演奏时的隐患，并将其融入为音乐整体的一部分。在每次练习之前，不妨先将乐曲中的难点“提取”出来，进行细致入微的练习。在音乐表演的过程中，演奏者应形成放松、从容、自然的良好习惯，消除技术难点所带来的紧张情绪，将音乐顺利流畅的进行。这样才可以使钢琴技术与音乐表现达到和谐统一，才可以将音乐前后贯通为有机的整体。

（三）良好的呼吸

呼吸是音乐当中尤为重要的元素，是活力与生命体现，也是感染人、打动人、提高艺术氛围的必备因素。对于钢琴演奏者来讲，呼吸的层面有两种，一种是音乐作品的呼吸，另一种是演奏者的呼吸。

对于音乐作品，乐句与乐句之间、乐段与乐段之间、乐章与乐章之间等都是音乐作品层次感变换的主要手段。对于这些音乐要素的分析与把握就显得尤为重要。因为在此之间涉及到腕部的提起或者是终止，演奏时注意手臂动作的呼吸，要拥有从容、流畅之感，为接下来的演奏提供方便。演奏者应将其视为演奏过程中的“逗号或句号”，对乐曲各部分之间的衔接有所把控与交代。对于其中休止时间较长的音符来说，不用的手应放在大腿上，以此来保持身体的平衡。

对于演奏者来说，除了演奏者随着对音乐作品的情感的起伏而有所起伏外，还有对自身的心里素质也有一定的要求。尤其是演奏者在舞台上，紧张感的原因会使得演奏者的心跳比平时要快一些，这样就会导致演奏者的演奏速度偏快。这种稍快的速度在平时的练习当中并没有多加练习，因此可能会成为演奏时的隐患，这种情况应及时避免。在演奏前，演奏者的呼吸要均匀且平缓，对自己应有自信。或者演奏者在演奏前适当转移注意力，在演奏的过程中，身心积极地融入到音乐当中，体会音乐的美感，情况可能会有所改善。

四、总结

钢琴技术是提高艺术气息的根本条件和根本要素。演奏者只有将钢琴的技术练好，才能产生艺术氛围，才能使周围人感受到艺术的魅力。此外，演奏者对于钢琴作品的理解和演奏者自身的素质也是提高钢琴演奏艺术气息的关键因素。至此，有关于如何提高钢琴演奏的艺术气息的文章在笔者经过了搜集材料、整合分析的方式，已经完全地阐述完了。笔者观点的疏漏和不足之处，还请各位批评指正。钢琴演奏者只有提高钢琴技术，提高对音乐的抽象地理解才能提高钢琴演奏的气场。钢琴演奏者有做到并且做好以上几点，在不久的将来，热爱艺术的朋友不仅会体会到钢琴音乐这门艺术的魅力，同时也会被钢琴所渲染的气氛所折服。

[1][法]科尔托.钢琴技术的合理原则[M].北京：人民音乐出版社,2008.

[2]黄大岗.周广仁钢琴教学艺术[M].北京：中央音乐学院出版社,2005.

[3]赵晓生.钢琴演奏之道[M].上海：上海音乐出版社,2007.

[4]黄因.哈农钢琴练指法教学指导[M].长沙：湖南文艺出版社,2010.

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李佳骏（1992—），男，2015年本科毕业于哈尔滨师范大学音乐学院，主修音乐表演（钢琴）专业，研究生现就读于哈尔滨师范大学，研究方向为音乐钢琴表演。