声乐表演艺术与肢体语言

刘黄希

（福建人民艺术剧院，福建 福州350000）

声乐表演是指声乐表演艺术家对所表现的作品的“二度创作”，声乐表演艺术家根据作曲家（包括词作者）所创作的作品，从自身的声音条件和特点出发进行再创造，通过“二度创造”将作品的内容、情感和意境完满地传达给听众。也正是在“二度创造”的过程中，声乐表演艺术形成了自身独特的审美特征和欣赏价值。然而并不是所有的声乐作品都用同样的声乐表演形式，用同样的方法和角度去欣赏。声乐作品的体裁形式多种多样，其声乐表演形式也不尽相同，但当我们结合作品的音乐表演形式来欣赏作品时可以发现其更多的艺术欣赏价值。

一、歌剧

歌剧是把戏曲，诗歌，音乐，舞蹈，美术等结合在一起的综合艺术，通常由咏叹调，宣叙调，重唱，合唱，序曲，间奏曲，舞蹈场面等组成。歌剧起源于16世纪末的意大利。西洋传统歌剧有五种主要体裁：正歌剧，意大利歌剧，法国喜歌剧，法国大歌剧，轻歌剧。正歌剧的题材大多是希腊神话和历史故事，声乐表演形式上注重华丽的演唱技巧，音乐包含序曲，咏叹调，有伴奏的宣叙调，重唱，合唱等等。意大利喜歌剧剧情风趣，常取材于现实生活，音乐生动活泼，短小精悍，包含宣叙调，咏叹调和重唱，说白用无伴奏宣叙调唱出。法国喜歌剧和意大利歌剧在声乐表演上一个重要区别是：意大利喜歌剧用无伴奏宣叙调唱对白，而法国喜歌剧的对白是用生活语言说出来的。法国大哥剧于喜歌剧在形式上的最大区别在于：喜歌剧有说白，大歌剧则不用说白，音乐从头贯穿到底。中国在1942年后在民族民间音乐的基础上，借鉴西洋歌剧的手法，也逐渐形成了具有革命内容和民族特色的中国歌剧，歌剧中民歌和戏曲的声乐唱段与戏剧内容紧密配合，具有鲜明的时代特点和民族风格。在以上的各种歌剧中，不论是哪一种都需要大部分的声乐表演来表现。在歌剧中，声乐表演是最重要的表现歌剧剧情的形式，也是观众理解、欣赏歌剧内容的重要途径。例如莫扎特的喜歌剧《费加罗的婚礼》，莫扎特对每个人物都进行了精心的刻画，赋予他们独特的音乐，同时通过剧情的逐渐展开，从各方面揭示了人物的性格和心灵，从而使这部歌剧成为刻画性格的著名现实主义喜剧。剧中费加罗的形象是强调他行动的迅速，果断，灵敏，积极，巧妙等，在他的咏叹调，宣叙调，重唱中突出的特点是：速度快，音调刚强而粗犷。这首咏叹调始终保持了生气勃勃的进行曲性质。这部歌剧不仅在不同人物上运用不同的动人的咏叹调，而且还广泛的应用各种重唱形式来表达复杂的戏剧内容和人物心理，如在第二幕中苏珊娜和伯爵夫人用轻快的急口令式的语调责备伯爵疯狂的嫉妒时的二重唱就是这样的。在歌剧这种综合的艺术中，我们更需要通过剧中声乐表演艺术家歌唱技巧的展示，咏叹调的戏剧性和抒情性，重唱的立体感，从听觉和视觉上来欣赏不同作曲家的歌剧写作风格，同一作曲家不同作品的特色及感受歌剧这门艺术的魅力。

二、肢体语言的新戏剧

欧丁剧团在丹麦成立于1964年，创始人是一位名叫尤金·巴尔巴的导演。巴尔巴在波兰和一位名叫葛罗托夫斯基那学习了两年。这种的培训方法适合非现实主义的原创戏剧。现在欧丁剧团在欧洲很具有影响力。根据老师的介绍，欧丁剧团的每个演员都创造了一套自己的培训方法，他们每天都在接受训练和创造戏剧。欧丁剧团每一年都进行10天的培训，所有感兴趣的人都可以来学习。在这其间每天早上进行的是声音和形体的培训，下午是理论培训，晚上还有他们的演出。孟老师有提供一些欧丁剧团的一些照片，我们看到他们的剧场并不大，很像我们的黑匣子。孟老师说他们的观众也是有限制的，如果说有的时候要求20人以内，有的时候只有10人以内了。因为欧丁剧团的演员认为，如果观众太多或者是剧场太大，他们的能量就不能最大限度的传达给观众，因为观众越多能量就分散的越开，而小范围的观众群可以使他们更好更加集中把最大的把能量传达给观众。我们学习的训练方法是培养演员对自己的身体有意识，帮助我们感受和理解形体运动和说台词的关系，使我们明白如何充分的运用自己的身体和道具更有效的去创造和表达戏剧的内容，称之为创造出有魅力有气场的演员。

声乐表演和肢体表演看似都是一门独立的艺术，有极大的艺术观赏性。但肢体表演又给声乐表演有着重要的辅助作用。如何根据当下声乐表演和戏剧表演艺术的发展规律与特征要求，提高学生肢体上和声乐上的的专业技能与形体表现力，使演唱者具备良好的形体素质和动作素养，在舞台上运用肢体语言塑造人物形象时，达到形体动作与演唱内容还有心理动作的协调一致，是我们要潜心思考与研究的问题。所以，我们应该都重视演唱时声音表演和肢体语言的训练与表达，为演员创造生动，鲜活的人物形象打好基础。