浅议传统戏曲服装色彩

中国传统文化博大精深，戏曲因其独特的妆容、服装、脸谱、盔帽款式及人物造型等，成为中国传统文化中一颗璀璨的明珠，经过几千年的发展和演变，以原始歌舞为前身，最终形成了完整、独特的艺术形式。除此之外，色彩也起着重要的作用，它有利于现代设计中发挥传统优势，继承传统戏曲文化精华，将古典韵味和现代思维进行有机的结合，从而达成舞台综合的统一规范既标准运用。

戏服是中国传统戏剧中区分人物特色最直观的外在表现形式之一，除了服装款式，盔头及服饰纹样，绣花、色彩等也可在现代设计中加以运用。戏曲服饰特点是“宁穿破，不穿错”。讲究“三白”，护领白、水袖白、厚底白。在传统戏曲舞台演出中通过服装、化妆、灯光、舞台色彩来表现人物身份地位和环境。同时其有自身特点，受到“五色”观念影响。服饰色彩分为上五色和下五色。上五色叫正色，如：红、黄、蓝、白、黑。它包含了色彩学红黄蓝三大原色在内，所以称正色，又称基本色。然而大自然中千万种色彩皆由红黄蓝三种颜色混合构成，各色彩的纯度称为此色的饱和度，依据色彩的饱和度不同，获得的舞台艺术效果就不同。因此戏曲服饰又有下五色的区分，如：紫、绿、粉、香和淡青色。通常在中国历史服装史上，黄色和紫色是最为尊贵的象征表示。黄色是帝王家专用色彩，黄蟒袍皆为剧中皇帝、皇后和贵妃娘娘所穿。紫色在官服中用于非正统五爷或品级靠上的官员，如《白岁挂帅》中八贤王等。红色为尊贵，权利的象征，如《马娘娘》中，马娘娘、朱鸿武等。红色官衣多为状元、驸马等一类人物所穿，故为戏曲舞台上以色彩区分官员级别所讲。粉色蟒袍多为英俊儒雅文武兼备的小生所穿，如杨宗保、陆文龙等。黑色用于性格较为刚烈正义之人，如包公、焦赞、张飞等等。显而易见，这些颜色的运用和中国古代的历史及戏曲文化具有很明显的联系特征，这也是作为一名戏曲观众对戏曲舞台人物程式身份性格等特征辨别的基础文化艺术认识。

色彩的合理运用常常关系到剧情的演变的成败，恰当的应用与处理不仅能给观众带来审美享受，还会给人带来愉悦感。戏服艺术与舞台中运用的色彩是一种经过多年经验提炼的色彩，在遵循舞台规律同时，应根据不同的环境、地点、灯光、剧情加以调整。首先要注意色彩三要素的对比，即明度对比，色彩对比和光度对比；明度对比是色彩组合的对比；色彩对比是形成的纯度差之间的对比；灯光服饰的对比更为重要是指大面积或小面积色彩度的对比，明暗度和色冲的反差，这是由底色和剧中角色主导色所决定。然后是色彩的表情，不同的色彩会使人传神不同的情感，合理地运用不同色彩所代表的情感是剧情作品的传神的关键。

随着戏曲观众审美情绪和艺术品位的不断提高，传统戏曲在众多艺术形式的冲击下，面临更加严酷的挑战。服饰色彩设计风格，不得不考虑大众对色彩的审美和选择，从而转向更具吸引力和表现力的改良华丽典雅风格。一、色彩运用更加精细、考究。清代宫廷戏曲服饰设计对此后的色彩风格产生了深刻的影响。戏曲人物从服装、头饰造型都趋于复杂和华丽，纹样绣配花色的技艺也更加高超，在设计搭配就需要我们采纳繁而不乱的点妆手法，使色彩衔接更加优美自然。二、使色调更加丰富、多元。戏曲演艺中生、旦、净、未、丑各色行当对服饰的色彩要求不尽相同，生、旦多采用白、黄色调，净角和未角多用红、紫、金色调，而丑角则多用黑、蓝色调，使华丽之风明暗相生，鲜而不艳，夸张写意传神戏曲人物特征，是戏曲服饰设计风格的核心所在。三、审美尺度，个性融合。戏曲服饰和狰狞狂野的原始服饰风格不同，华丽风格更注重审美效果和感染力，华丽典雅风格之下还细分为宫廷人物地位和民族、民间风格，巧妙运用色彩勾勒技艺呈现出许多流派，真正实现了服饰多彩的多样化，带给观众的是清丽脱俗，赏心悦目的视觉享受。

因此可以说，戏曲服饰的色彩风格经历了一个历史演变过程。传统戏曲人物造型设计元素应用非常广泛，服饰的色彩、人物的包装等众多设计领域及纹样，盔头造型、色彩构成以及整体人物造型形象等，都可以作为现代设计的灵感来源并加以运用。但现代设计加入传统戏曲人物造型元素，并不会一成不变的或仿古再现，而是应该更好利用传统的审美观点和现代的设计手法对这些元素进行再创造，通过服饰色彩运用规律和特征蕴含戏曲的民间性和娱乐性，也反映着中华文化对“真”“善”“美”和正义的追求。可以帮助人们对色彩语言和色彩文化有一个更加鲜明的认识，从而在一定程度上有力推动戏曲艺术的创新和发展。所以，中国古老的戏曲服装，在长期的实践和应用中占有不可或缺的重要地位，更是塑造剧目中角色的外部形象的手段之一。