中国画元素在当代油画中的融合与借用

黄凯

摘要：本文主要讨论中国当代油画发展现状，从中西方文化差异角度出发，明确中国画在艺术创作方面材料、技巧、色彩和意境等四个方面的典型特征。结合当代油画创作发展方向，提出油畫艺术家可以学习借鉴的中国画创作元素，应用于油画创作创新之中。

关键词：中国画  油画  创作  绘画

中图分类号：J205 文献标识码：A 文章编号：1008-3359（2022）06-0056-03

文化背景不同，中西方在艺术创作方面有着显著的差异。其中绘画艺术中，中国画与西方的油画无论是创作载体，还是艺术表现形式方面都有着巨大的差别，这种差别在以往的艺术创作当中常常以不可调和的姿态出现，但是在现代艺术创作当中，越来越多的艺术家开始挖掘中西方艺术创作在艺术情感表现方面的共性，尝试进行艺术创作元素的巧妙融合，达到艺术魅力全面升级的目的。中国画有着深远绵长的文化底蕴，其中所采用的绘画技法以及构图技巧等将中国文化精神体现得淋漓尽致。现代油画创作当中，艺术家可以通过对中国画创作技法和情感表现技巧的学习借鉴，丰富油画创作的内容，拓展油画艺术的创作视域，进一步丰富油画的艺术情感表现能力。

一、中国现代油画的发展现状

油画虽然是西方艺术，但是伴随着中西交流的不断加深，油画在我国也有着一定的创作土壤。但是与西方油画创作有所不同，国内艺术家在油画作品创作当中，仍然有着较为强烈的传统文化观念，最终使得油画作品创作中呈现出“重意不重形”的特征，相比于西方油画有了较为明显的差别。现代油画在国内发展有着百花争鸣的态势，涌现出了一大批艺术水准较高、具有国际声誉的油画艺术家。但是从发展角度来看，我国油画创作与西方仍然存在着较大的差距。

一方面，现阶段我国文化环境当中，油画已经有了较为广阔的受众基础，但是大部分艺术家在进行油画作品创作当中，仍然只是模仿西方绘画，未能有效地从自身出发，不具备独立精神的创作油画，导致大部分模仿作品大行其道，而真正的原创作品稀缺，同时无法受到社会关注。

另一方面，中西方在艺术表现方式和最终呈现的技法方面有着较大的差别，长久以来二者之间如何进行巧妙融合便是艺术家皓首穷经、苦思冥想的难题。即便在当前阶段，能够同时精通中国画和西方油画的艺术家仍然十分稀少，双方又缺少必要的文化交流，导致艺术创作在创新道路上频繁受阻，国内艺术创作未能够有效形成良好的社会风气和环境。

二、中国画创作当中的主要元素与创作内涵

中国画创作主要以毛笔、宣纸等材料为基本载体，以写意、抒情为表现方式。在创作当中，主要涉及到的元素内容有材料元素、技法元素、章法元素以及情感元素等四个方面。

（一）中国画创作的材料元素

材料元素是指中国画创作过程中承担艺术表现载体的硬件材料，总结来说便是笔墨纸砚，其中笔为软头的毛笔，画家通常采用不同型号的毛笔表现不同的艺术场景。墨主要为黑墨，通过调和水的方式进行浓淡深浅的设置，有层次感。宣纸主要分为生宣、半熟宣和熟宣等几种类型，不同的宣纸有着不同的浸墨状态，需要区别运用，砚一般是石砚，是调和墨的工具。相比于西方所采用的刮刀和画布材料，中国画的材料相对特殊，对于最终表现的艺术情境来说，有着较为深刻的影响。

（二）中国画创作中的技法元素

技法元素根据绘画方式主要可以分为勾皴擦点染等五种技术手法，其中勾是指通过细笔进行轮廓的勾勒，主要用于工笔画创作之中，画家进行人物、花鸟创作中善于运用这种技法。皴法是山水画创作中的主要技法，主要通过多次频繁的笔锋转折、停顿等体现一种褶皱状态，用以绘制山石的纹理和结构。擦一般与皴同时使用，可以呈现出貌叠山石的熔融状态，在风格方面，燥而苍凉。染则是通过笔墨渲染、浑染等技法呈现出绘画场景的立体感。

（三）中国画创作中的章法元素

章法元素主要是指中国画创作当中的构图方式，画家在进行创作中，会先有一个相对宏观的绘画计划，对于画幅当中的整体布局进行揣度，保证细节与细节之间的相互结合、彼此交叠能够恰到好处。通常情况下，中国画当中的章法需要对主次关系、前后景关系、局部与整体之间关系进行整合协调。结合具体的创作要求进行布局调整，保证画作呈现出的风格能够做到层次鲜明、主体突出、和谐统一。

（四）中国化创作中的情感元素

情感要素是中国画能够具有艺术审美价值的关键，一切绘画艺术创作都需要从情感层面出发，中国画的情感表达往往不通过写实元素来呈现，更多借助虚拟元素进行呈现。在具有代表性的山水画创作当中，创作内容可能并非是真实存在的实际景色，但是能够在观者心中产生对于景色所构建的意境共鸣，进而探寻到画家的内心情感。虚写情感的好处在于避免对情感定调，观者能够拥有较为广阔的自由想象空间，凭借联想形成对于画作情感的认知和认同。

三、油画创作中中国画元素的融合借用

（一）独特的构图布局形式运用

油画创作是十分典型的写实创作风格，在构图方面遵循写实创作中的透视原理，所呈现出的是对于真实世界的精准反馈。而中国画在创作当中，所采用的构图方式并不是从真实世界反馈出发，而是基于诗意的创作进行的刻画和创写，这种方式与油画之间的构图形式差别明显，但是对于油画创作来说，中国画的创作构图方式可以有一定的借鉴。

在中国画的创作布局中，有着较为典型的“三远”创作方式，该创作方式由宋代画家郭熙总结而成，针对绘画当中的山水环境表现，总结为平远、高远和深远等三种类型，三种布局方式与西方透视创作之间有着明显的差异，但是创作所展现出的环境情境却是西方油画创作所不具备的。以平远创作方式为例，郭熙在总结平远创作技法时提出，由近处的山望向远处的山，两山所处同一平面内。但是距离不同，这种构图方式就是平远。中国古代绘画当中有着大量的平远技法的运用，在整体构图当中呈现出的是错落有致、朦胧隐逸、高远幽深的气质和风貌。视觉观感方面十分奇特，能够引发人们对于场景环境的联想。郭熙自己创作的《窠石平远图》便是平远技法的典型代表。油画创作当中主要采用近大远小的透视结构，在风景画的绘画当中，更多以第三视角进行呈现，缺少了第一视角的主体性的融入。平远构图方法将现实与想象相互结合，在绘画创作当中，前后景之间的主观特性被尽数呈现了出来。油画艺术家在进行油画创作过程中，可以尝试借助平远法打破原有的油画构图形式，使主观第一人称视角能够进入到绘画创作当中，使画作更具主观情感表达的特色。

除了三远布局之外，在中国画创作中有着另一个为人所称道的布局构图创作技巧，这个技巧便是“留白”。留白创作主要通过墨色与宣纸白色之间形成彼此呼应，以空白的方式，預留出一定的空间，形成视觉冲击力十足、形象极为鲜明的映衬和对照。山水画创作当中，留白的创作方式主要是对天空中飘荡的云以及山间奔流而下的流水等进行展现，有着强烈的动态属性。对于中国画的构图来说，留白不仅仅将原本难以通过墨色进行呈现的事物表达出来，更重要的是其能够在不经意间呈现出辽阔、旷远的空间情境，带给人言有尽而意无穷的回味之感。在以往的西方绘画当中，西方人并不能真正认知了解到中国画的留白艺术，因为在油画创作当中，画幅很少会出现空白情况。随着油画艺术家对于中国画了解的不断深入，感受到留白艺术所具有的独特魅力后，开始尝试在油画创作中运用留白表现艺术情境。国内知名的油画大师赵无极在其创作的《05-01-67》当中便运用了大量的空白画面进行环境呈现，整幅油画作品水墨浓稠，同时彼此调和，层层渲染，呈现出虚实相生、背景虚化的空灵特性。

（二）优美的色彩运用方式

相比于西方油画在色彩方面的运用，中国画用补充光影的方式来呈现光与色彩之间的 效果，中国画的色彩有着更加强烈的主观特征，选择和使用的色彩变化较少，大多数山水画所运用的色彩仅有黑白两色，部分相对复杂的绘画作品能够使用朱砂或其他颜料进行绘制，但是色彩数量也不多。对于创作来说，中国画有着十分强烈的写意性，色彩运用更加单纯。

一方面，中国画更加崇尚淡雅的色彩风格，所使用的颜料绝大多数情况下来源于自然，除了墨色之外，常见的绘画颜料如石绿、石青、胭脂等，也都是在自然环境之中提炼。传统文化对于淡雅、含蓄的艺术风格十分推崇，表现在绘画当中，中国画也是十分素雅，通过层次感和强烈的明暗对比来展现环境风貌。相比之下，油画创作当中所采用的色彩十分浓厚，同时使用的颜料也较为丰富，色彩通常与光照进行配合来表现内容，是一种十分典型的颜色表现方式。油画艺术家在进行油画创作中，可以尝试学习借鉴中国画在色彩运用方面相对克制的态度，尝试改编色彩表现内容的基本思路，转而尝试运用更少的色彩，使用更为丰富的场景进行层次和内容的呈现，实现全新的艺术风格。

另一方面，中国画在创作当中能够更加善于运用水墨效果，其中黑白两个单独的色调完成了对于自然环境的刻画。著名抽象派画家康定斯基在其著作《论艺术的精神》中，以比喻的手法将西方绘画理论比作一个巨大的色彩圆圈，而黑白两色则处于圆圈之外。这是由于西方绘画中很少或很难对黑白两色进行巧妙运用。而在中国画中，黑白两色的运用则是主流，艺术家的中国水墨画创作讲究“以墨为主”，通过在宣纸上进行墨色浓淡的调整，展现十分复杂的颜色场景。明末清初著名艺术家石涛所创作的“云山图”改变了原本三叠式构图方式，将常见构图策略全然打破，而是采用中空设计，将不同景别进行彼此分离，使得树木、山林与云霭等彼此交叠，呈现出十分深邃的艺术情境。但是在色彩方面，石涛仅仅使用了黑白灰三种简单的色彩。油画绘画可以尝试从新的色彩运用视角，引入中国画当中对于黑白两色元素的凝练运用，对现有的创作逻辑进行内容层面的简化，追求一种新颖别致的单纯、素雅的场景，使内容表现更加直接，内容情感更为精准。

（三）灵活的笔法运用

由于所使用的创作工具不同，中国画和油画在绘画方面所使用的笔法也有着极大的差别。中国画创作中，画家更加追求“五笔七墨”的巧妙运用，通过不同的运笔和着墨方式，表现出不同的绘画内容和情感走势。其中笔法用来进行形态的表现，而墨色则以呈现意境为终极目的。一些中国画名家的作品当中，都可以看到这种笔墨技法的熟练运用。

在油画创作中，笔法和油彩的使用方式相对固定，不同艺术家在作品创作当中的主要区别更多体现在整体性的风格之上，而在一般技法层面，很难凸显出差异。当然也有部分油画艺术家认为中国画的笔墨运用技法与油画的笔触之间有一定的相同互融的特性，油画艺术家可以尝试通过改变用笔方式实现艺术创作的创新。油画艺术家希望借助笔与力之间的相互平衡，改变原有油画创作重视内容而忽略对于用笔重视的窘境。在国内，也有许多油画艺术家结合中国书法的用笔方法带入到油画创作当中，使油画作品拥有了全新的面貌和风趣。

（四）深邃的意境运用

意境是中国文化所追求的重要目标，中国传统文化当中，无论是哲学、宗教、文学还是艺术，都有着对于意境的痴迷。意境的呈现往往需要借助现实场景的桥梁，以“象”的形式进行表达。优秀的中国画作品所展现出的意境十分深邃邈远，能够激发人们的共情心理，这就要求绘画创作应当不拘一格，不必完全写实。

传统油画的创作更多追求现实风格，以展现真实的场景为最终目的。但是纵观西方绘画历史可以发现，从具象到印象再到抽象的绘画发展历程当中，越来越多的艺术家开始追求“意”的表达，意境也逐渐成为西方绘画所追求的重要精神。现代油画在创作当中，除了要对印象画、抽象画的创作规律进行学习之外，还可以尝试另辟蹊径，将中国画当中的意境表达方式借鉴运用其中，以此重构油画的意境呈现路径。中国画在内容展现中并不像抽象油画作品一样完全放弃形体和客观的表达，而是从客观视角出发，基于艺术创作完成诗意的视觉呈现。大量的中国画作品当中，似是而非、如梦似幻的场景仍然存在，但是对于观者来说，他们的思绪却能够实现从场景到意境的导入，这来源于场景创作本身的内涵延伸。油画创作可以对中国画在意境表达方面的技巧进行学习借鉴，应用到油画创作当中。

参考文献：

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[2]中国美协油画、插图装帧、中国画艺委会换届大会暨国家重大题材美术创作艺委会成立大会在京召开[DB/OL].中国文艺网，2020-11-04.