声乐表演过程中形体的运用探究

张 凯

（山西艺术职业学院 山西 太原 030002）

声乐表演从本质上区别于其他类型的乐器表演，它是依靠人的嗓音（歌声）来传递音乐美感的一种表演，虽然有时也会加入一些口哨和口技等，但这些技巧也以人的嗓音为基础。就当前的音乐分类而言，声乐表演主要包括了美声唱法、通俗唱法、民族唱法和戏曲等表演类型，比较流行的说唱和节奏布鲁斯等都被归纳为通俗唱法的分支[1]。总体来看，声乐表演主要依赖的是表演者对于作品的掌握，表演效果的传递取决于表演者对作品本身的美学理解、创作者对整体审美的把握和聆听者自身的审美接受程度等等。除了本身具备得天独厚的嗓音条件以及长期针对性训练外，在声乐表演当中表演者还应当充分意识到形体表演的价值，从而有效地提升对作品的统一审美展示。

一、声乐表演中的形体艺术内涵

声乐表演中的形体艺术不同于舞蹈、武术或杂技等主要依靠身体进行表演的艺术形式，声乐表演中的形体艺术不强调下腰、压腿和筋骨活动等这些身法锻炼，更注重的是通过训练来提升表演者本身的身体感知，最终达到通过形体动作、眼神、表情等来传递作品的情感表达，更专注于“传神”，往往不会有过大的动作框架，更强调的是灵活的控制、情感的传递和感知创作意图的韵味和延伸。总体来看，形体艺术表演是对作品的有效感知，是声乐表演中必不可少的一部分，演出者要尽力在演出时缓解自身焦虑，使形体自然舒展，使作品表现更加出彩[2]。一个声乐演员，除了要坚持对声乐表演本身的嗓音训练外，更应当重视形体训练，提高个人的艺术修养，将基本功与艺术提升相结合，使个人表现与艺术表现有机结合起来，还要在表演中适应多种不同题材的创作背景和表达需要，这些都对表演者本身提出了极高的要求。

二、声乐表演中的演唱与形体艺术的关系

上文中提到过，声乐表演不仅仅是嗓音的表演，形体艺术在声乐表演过程中同样担当着重要的角色，声乐表演本身就是一个“唱演结合，以演助唱”的过程。

“唱演结合”强调了二者之间紧密的联系，“唱”与“演”在声乐表演中虽然有主次之分，但是却是缺一不可的。尤其是在现代化的舞台效果和灯光配合作用下，演员的表演通过摄像技术被近距离展现在镜头前，观众能够更加无障碍地观察和欣赏声乐表演。除了更加真实的音乐体验以外，这也给演员带来了更大的压力，尤其是在一些唱跳结合的声乐表演中，演唱者除了要准确地演唱歌曲之外，还要配合舞蹈演员的舞步，保证和谐统一，根据整个作品的感情变化和速度变化等调节演唱。演唱者是声乐表演的核心，他们需要付出比舞蹈演员更多的精力去熟悉舞台，根据作品需要调节演唱时的音调、语速和情感，琢磨动作与歌曲演唱之间的契合度，并在完成设计后反复进行演练，以求达到动作配合演唱、形体表现感情的效果。

“以演助唱”强调了在声乐表演中二者的主次地位，同时也体现了“演”对于“唱”的辅助作用。好的形体艺术能够充分展现演唱者的个人魅力，同时有效表达出歌曲创作的意图，体现出更高的艺术追求，使得声乐表演锦上添花，展现给观众的是更富有想象力的音乐世界。虽然声乐表演的动作比起舞蹈和杂技而言简单了许多，但是在情感投入和技巧处理上却毫不逊色。试想，如果忽略了形体表演，演唱者只是随意展示几个动作了事，那么演出效果必然大打折扣，不仅谈不上优化舞台演出效果，反而会使演出效果更差[3]。

三、声乐表演中形体艺术的主要构成部分

（一）台风

台风是演员经过多年表演经验积累的个人舞台风格。从客观角度来讲，一个演员的台风与形象不应该是固定不变的，应当随着作品风格而变化，换言之，演员在作品面前不应当带有个人标签，而应当融入作品中，为作品而服务。然而在现实表演中，歌曲创作者往往会依据不同的曲风，选择更符合作品演绎的演唱者，久而久之，便在演唱者的发展道路上形成了某一种或某几种的印象曲风，这也是市场选择的结果。整体来看，台风可以理解为声乐表演的主要基调，是最直观的影响因素，也是形体表达最直接的效果体现。

（二）表情

表情是声乐表演中形体表达最关键的组成部分，顾名思义强调的是演唱者脸部的整体表达，直接传递歌曲情绪，也最容易引发观众的情感共鸣。在一般的声乐表演中，演唱者的面部表情要保持放松，保持五官的舒展与自然，眉眼带着笑意，嘴角上扬，头部跟随着节奏有规律地轻轻运动，给人以幸福快乐的感受。不同的面部表情往往传递给观众不同的情感信号，当演员的表演到位时，观众的情绪往往会随着表演者一同起伏，可见表情在形体表演中的重要性。此外，我们还强调表情的稳定性，演唱者的目的在于完整演绎歌曲并打动观众，自己本身既要对歌曲感同身受，还要拿捏好情感的分寸，不能因为个人的感情而影响或中断作品表达。

（三）手势

手势在声乐表演的形体表达中也占据着极其重要的地位，原因在于它的动作幅度相对较大，容易引起观众的注视。手势的运用在声乐表演中主要分为情绪性手势、指示性手势、象征性手势等。每一种手势都影响着作品整体的情感传递。情绪性手势的起落往往直接带动表演者本身的情绪起伏，也与歌曲的起承转合有着密切联系，有时，一些乐器的加入和退出也会随着情绪手势而发生变化。指示性手势则与乐队的演奏和作品歌词衔接紧密，能够引起观众的注意力，也增强了歌曲的渲染力。象征性手势则更多地带有音乐意境和想象空间，将一些虚拟的情感和内容具象化，引领观众进入与演唱者的情感维度。演唱者在声乐表演中一定要拿捏好手势的使用频率和尺度，否则可能会引起胸腔共鸣的失衡，导致气息不稳定，从而影响演唱效果。

（四）站姿与走位

站姿与走位在声乐演唱的形体表达中起到基础支撑的作用。优雅的站姿首先为演唱者建立了良好的个人形象，对接下来塑造歌曲奠定了基础。演唱者在整个歌曲演唱过程中要身形挺拔，不能含胸、驼背，在配合舞蹈动作时要准确走位，不能打乱事先安排好的演出走位，同时要兼顾演唱和情感传递。良好的站姿与灵活的走位不仅能够保证演出的顺利完成，并且能够最大限度地扩展演出的层次感，使得声乐表演更具有节奏感与韵律美。尤其是在通俗歌曲的唱跳表演中，演唱者运用站姿和走位配合舞者完成整场表演的同时还能够最大限度地散发个人魅力，带动现场气氛，有些演唱者的舞蹈甚至比周围的舞者还要出彩，从而成为全场的焦点，这样也使得歌曲表达更加到位，最终取得演出成功。

（五）上下台的礼仪

作为演出的必备环节，演唱者上台和下台时都要有必备的标准礼仪，以表示对舞台的热爱、对观众的尊重和对乐队的感谢，这是声乐表演中必不可少的环节。因此，演唱者上台时要脚步稳健，步伐坚定，速度适中，站定后上半身向前弯曲，双手自然垂下或单手放在胸前，向观众及乐队鞠躬，点头示意乐队开始演奏，结束时同样鞠躬致谢并缓步离开舞台。

四、声乐表演中形体表达应当遵循的表演规则

（一）形体表达应当与作品风格保持一致

声乐表演的内容来自对音乐作品的表达，因此音乐作品的创作风格决定了演唱者在诠释过程中所有的情感表达和意识传递，可以说无论是唱还是演都应当遵循音乐作品本身的创作风格，保持与作品的高度统一。形体表达首先应当符合作品的创作意境和表达意图，符合人物性格的塑造和情绪变化，从整体上来看，形体表达要充分扣准形象定位，不能脱离作品进行塑造。演员在选择形体表达时，应当首先考量作品表达的主要基调和意境，充分揣摩人物的性格和经历，使得形体表达能够恰如其分，不能为了形体表达而表达，而要贴合作品需要，用形体表达来传递作品情感，结合演唱的起承转合，准确传递作品的情感和创作意图。另外，演唱者还要根据音乐风格在日常训练中设计出能够增强音乐感知的动作，有意识地将动作与情感、乐感进行有机结合，增强个人对于不同作品中不同音乐形体表达的选择能力。

（二）形体表达应当保持稳定、流畅、自然

声乐表演中，形体表达应当保持稳定，稳定的眼神传递、走位和站姿、面部表情的配合等等都能够给人以美的享受，它们共同构成了声乐表演的稳定与协调。稳定的形体能够保证演唱者在声乐表演中气和音的稳定输出，尤其是在舞蹈动作比较多的情况下，肢体的稳定更能够展现演唱者的训练成果，也更能够让观众体会到作品传递的能量。除了形体的稳定外，声乐表演还要求形体表现呈现出流畅自然的风貌，如果过于机械化和生硬，则会给人以生搬硬套的感受，导致观众对表演者的个人修养与技术能力产生质疑，更会影响音乐作品的表达效果和舞台呈现。因此在声乐表演中，形体艺术追求稳定、流畅、自然，这对表演者的个人素养和日常训练是一个巨大挑战。

（三）形体表达应当把握好尺度和比例

声乐表演中，演唱是占据主导地位的，而形体表达只占据辅助地位，因此从声乐表演的唱演比例来看，过多的形体表达不仅不能带来帮助，反而有可能成为累赘，把握形体表达在声乐表演中的比例分配是十分重要的。演唱者应当做到合理的比例分配，在需要加入形体表现的时候加入，起到锦上添花的效果。同时，作为声乐表演的一种传递手段，形体表达的尺度拿捏也十分重要，形体表达不能过于拘泥，也不能过于夸张，演唱者要选择适当的尺度，使得表演与演唱成为有机结合体，不跳戏、不抢戏[4]。

五、结语

声乐表演主要依靠演唱者的演唱，但离不开形体表达的加持，好的形体表达能够充分传递表演者对于作品的感悟和理解，并为演唱者树立良好的个人形象，通过与歌曲的有机结合，传递给观众丰富的体验，是声乐表演不可或缺的组成部分，二者之间始终保持“唱演结合，以演助唱”的关系。形体表达要恰如其分，符合作品的整体情感表达，不能打乱歌曲的情感传递节奏，更不能影响演唱的整体效果，这是形体艺术应当追求的最高目标。作为表演者来说，更应当结合作品的种类和曲风，加强日常演唱与形体艺术的协调，使得形体艺术表达能更好地为演唱服务，从而完整表达作品的意境和情感。