了不起的创造

戴璐

每个人的人生都会经历许多“第一次”，从孩童时期的蹒跚学步到少年时代的初露锋芒。成长的每一步不仅身体在发生变化，思想也在逐渐成熟。在长大的路途中，你曾接受无数大大小小的挑战，在这条披荆斩棘的道路上，你从未临阵脱逃。

每个大人都曾是勇敢无畏的孩子。只不过，有的人走着走着便失去了创造力，变得谨小慎微、循规蹈矩。幸好，还有很多艺术家保留着孩子的大胆和天真，他们主动拥抱未知，并敢于创造，是无所不能的“艺术发明家”！

最潮色彩发明奖

有一个人，因为创造了一种颜色而享誉世界，他就是法国艺术家伊夫·克莱因。他从地中海上的蔚蓝天空得到灵感，用群青配以某种合成树脂调制了一种饱和度极高的蓝色——克莱因蓝。

在1957年的米兰画展上，他展出了八幅同样大小、涂满蓝色颜料的画板，并且告诉人们：“这个颜色象征着天空和海洋，象征着没有界限。”在此之前，“蓝色族谱”中并没有如此纯粹、强烈的蓝色。伊夫·克莱因将其命名为克莱因蓝！

克莱因蓝的视觉冲击力格外强烈，这种高饱和度的冷色颇受时尚界的青睐。因此，时装T 台一度是克莱因蓝的天下，直至现在，很多定制时装和家居设计都会使用和致敬克莱因蓝。

如果说克莱因发明了一种颜色，那么莫兰迪就是创造了一整个色系！莫兰迪的作品里经常会出现低饱和度的瓶瓶罐罐，他通过冷静的色彩、朴素的形状、微妙的空间关系和光线效果，赋予了日常生活灵性之美。听说为了达到理想中的效果，莫兰迪会花一个星期的时间去摆弄桌布和瓶子，然后再痴迷地描绘它们。

莫兰迪色并非某种特定的色彩体系，而是我们对于莫兰迪绘画用色特点的总结。与克莱因蓝的高纯度色相反，莫兰迪色的本质是降低色彩纯度，在常用的色彩中加入灰色和白色调和，使整个画面在色感和视觉上达到平衡。大面积的低饱和色彩，以及同一颜色不同灰度间的微妙渐变与相互交融，使莫兰迪的画作整体呈现出静谧之美。

最佳线条表现奖

对于中国画来说，线条极其重要。

现存最古老的帛画之一《人物龙凤图》使用了线条进行造型。这幅两千多年前的作品用古朴的线条勾勒出一位高髻细腰、广袖宽裾的女子。她头上有一只腾空飞舞的凤鸟，翅膀伸展，尾羽卷起，与静态的女子形成鲜明对比。凤鸟线条虽然简括，但变化非常丰富，翅膀用线细密完整，脚爪、尾羽轮廓线则粗犷有力，突出其脚爪的瘦硬和尾羽的劲挺。可以看出，以线条为主要表现手法进行绘画创作，在战国时期已经相当熟练了。

在世界的另一边，有一位画家将“线”的运用提到了至高无上的地位，他就是波提切利。他不仅利用线条来构图，也利用线条来塑造形象，与同时代画家达·芬奇形成了鲜明的对比。达·芬奇的渐隐法强调了不同受光面部分的中间调子，用面的塑造让事物看上去更加真实。但波提切利刻意降低了画面的明暗对比，用线来造型，也利用线来调节画面的节奏。

看这幅《年轻女子的肖像》，波提切利并不是用阴影及对比的效果来突出人物的存在感，而是用明显的线条刻画人物。稍加留意我们就会发现，波提切利作品中的人物长颈溜肩，这在解剖学上并不准确。尽管如此，他这样的处理并没有让我们感觉到别扭，反而突显了人物那种忧郁、超凡脱俗的气质。

最佳色塊构成奖

说完了线条，你大概能猜到接下来会讲色块。色域绘画离不开色块，而色域绘画代表人物罗斯科和纽曼在色块构成上的成就令人瞩目。

罗斯科以巨大的颜色方块画作闻名于世，他的作品大多由两三个垂直排列着的矩形构成。这些矩形色彩微妙、边缘柔和，它们漂浮在整片底色之上，营造出连绵不断、模棱两可的效果。

罗斯科的绘画尺幅往往很大，这是为了能让人置身于体验之中，感受作品的精神内涵。他力图通过有限的色彩和极少的形状来传达深刻的象征意义。

纽曼也喜欢绘制大面积的色块，他不断探索用线条将大面积色块分隔开来的画法。看似随意的画面，他有时会花费几个星期的时间去推敲。然而，这种创新的绘画风格当时并没有得到主流社会的理解。但纽曼一直坚持这种风格，他始终相信艺术之美在于神秘与不可知，“艺术家可以像一个真正的创造者那样去探究宇宙”。

看到这里，我猜你的心里一定产生了疑惑。这几幅作品放在一起，很可能会被认为出自同一人之手。确实，罗斯科和纽曼是师徒关系，纽曼的早期作品受到了罗斯科的影响。实际上，二人虽都绘制色块，却有所区别，罗斯科的色块边缘模糊，纽曼却是几十年如一日地坚持在色块中徒手画直线，后期的经典作品更是呈现出硬朗、边际分明的大面积色块。正是这种创新使得他的作品具有了超越前辈的力量。

最美人物刻画奖

讲完了线条、色块，是时候动笔表现人物了！刻画人物讲究细节，中国古代仕女画画家在这方面表现尤为突出。

你也许对仕女画有些陌生，但你一定在博物馆里看到过面部被点上白色的女子，并且可能会在心里默默“吐槽”古人的审美。

其实这是我们常说的“三白”。“三白”是指用较厚的白粉染出人物的额头、鼻梁、下颏，表现人面部三个受光点，是不是很像现在化妆时点高光的位置？这种表现方法起源于南北朝，在唐朝达到高峰。唐朝画家通过“三白”法，创造出贵妇人所崇尚的浓妆艳抹、富有装饰性的“盛妆”效果。

新疆吐鲁番阿斯塔那张礼臣墓出土的《弈棋仕女图》中，一位面色红润、身材丰腴的女子，正对着棋盘屏息凝神。她食指和中指夹着一枚棋子，考虑着将棋子落在何处。她的额头从发际处往下染白，直到眉毛，然后鼻梁和下颏尖也有染白，是非常标准的“三白”画法。这种画法使额头看上去更为饱满明亮，下巴更为圆润，鼻梁也更高挺，凸显了面部的立体感。

并不是只有仕女画画家才会注意人物面部的细致刻画，五代僧人贯休工诗善画，尤其擅长画罗汉。他笔下的罗汉状貌古野，迥异前人，开创了中国人物画的又一风格。相比唐朝罗汉的写实形象，贯休的罗汉奇诡夸张，不似人间所有，会让看见的人忍不住吓一跳。

《十六罗汉图》（其一）中的罗汉高鼻深目，双手合十，神色沉静，不怒自威。人物头、手的骨骼造型夸张，以墨色染出凹凸变化，颇有立体感。用线颇有骨力，衣纹劲道流畅，坐具则转角嶙峋，体现出画家对于不同质感的事物的表现能力。虽历经千年，依然气度非凡，不得不说，古代画家创造人物真是各出奇招儿啊！

最佳书法创新奖

诗书画自古一家，一幅好的国画作品怎么能少了书法相衬呢？要说独具一格的书法家，历史上数不胜数，但要说身份最特别的一位，非宋徽宗赵佶莫属。赵佶是一位极具艺术才华的皇帝，他在绘画、书法方面造诣精深，不到二十岁就创造出一种书体——“瘦金体”。其特征是笔画细瘦，在转折处将藏锋、露锋、运转、提顿等痕迹强化并保留下来，形成了一种独具美感的艺术表现形式。

赵佶中年时写下了著名的《秾芳诗帖》，成为他“瘦金体”的代表作。“秾芳依翠萼，焕烂一庭中，零露沾如醉，残霞照似融。丹青难下笔，造化独留功，舞蝶迷香径，翩翩逐晚风。”从技法上看，作品似乎是用绘画的技法来写书法，笔致劲健，如竹叶斜出；结体潇洒，像兰花一样雅致。

清朝书画家金农也曾创造过一种书体，名为“漆书”。金农的字笔画方正，棱角分明，横画粗重，竖画纤细，墨色乌黑光亮，如同用漆刷出来的，因而称为“漆书”。漆书是金农的独创，其渊源来自隶书，正是由于大胆创新，他才从一众书家中脱颖而出。

《鹤赋》是金农书法的代表作，笔画粗重，墨色如漆，看上去如刀劈斧刻般硬挺。横竖笔画粗细大相径庭，但横与横相比很匀称，看得出来是有意经营，而不是即兴下笔。奇异怪诞的笔墨效果，不仅让整幅作品趣味丰富，而且极具视觉冲击力。

最脑洞大开奖

如果上述种种作品都是风格技法上的革新，那么下面我们将要说到的两位艺术家可以说是“放飞自我”，传统的方法显然已经满足不了他们的创作需求了。

来自比利时的艺术家文森特·巴尔就玩起了影子。他在日常物体的阴影上随意画几笔，让影子一下子变成一幅画，创意十足。在他的笔下，一摞杯子的影子成了游泳池，一个削皮刀的影子成了钢琴，一颗洋葱的影子成了胖嘟嘟的海豹，一只网面鞋的影子变成了淋浴……当这些平凡的事物与光影结合在一起后，一个个生动有趣的形象便跃然纸上。

文森特·巴尔在很小的时候就喜欢玩墙上的阴影，长大以后漂亮的影子勾起了创作兴致。他用手机把画拍下来，上传到了网络上，受到很多人的喜爱。此后，他便开始创作影子涂鸦。小朋友们是不是很受启发，已经跃跃欲试了呢？

当你站在高楼林立的城市，抬头仰望天空，你会看到什么？也许这是生活中再平凡不过的场景了。但是，来自法国的艺术家拉马迪厄·托马斯看见了不一样的风景。

托马斯喜欢仰望天空，每次他抬头时，建筑物的屋顶勾勒出的天空的轮廓就成了他的画布。他以仰视的角度拍摄城市的天空，然后用有趣的插图填充其间，创作出了充满创意的插画作品。这些作品充满了奇思妙想，要么是用树枝钓月亮的女孩，要么是扒开楼房往下看的巨人，要么是对着狐狸弹琴的流浪艺人……托马斯总是能根据天空的形状，恰到好处地把图案放进去。

巴尔和托马斯用他们异想天开的艺术作品，向人们展示了无限的创造力。他们所用的素材都是我们生活中常见的物品，这样看来，创意能让普通的事物变得充满惊喜！

纵览古今，在艺术家的眼中，没有什么材料是不能拿来创新的，也没有什么风格是不能突破的，甚至没有什么东西是不能用于创作的，这样的例子不胜枚举。

当然，创新也不是一下子就能被所有人接受的，比如克莱因最初把他的纯色画板送到画廊时，根本没人愿意展出，他们觉得这压根儿不是绘画；金农独创的书体也被人吐槽“很丑”。但他们都没有放弃探索，依然用自己特有的方式来表达艺术，绝不因循守旧。

很多艺术作品所使用的材料来源于日常生活。这些物品本来很普通，但是被艺术家注入有趣的创意之后，它们就变得不寻常了。尽情释放你的奇思妙想吧，整个世界都是你的創作素材！