博纳尔绘画中光和色的运用

佘 俊

（安徽师范大学 美术学院，安徽 芜湖241000）

皮埃尔·博纳尔1867年生于法国罗斯的非特内，他自幼喜爱文学、拉丁文，特别是希腊文，但中学毕业后却违背自己的爱好，遵从父亲的劝告学了法律，并取得了学位。后来博纳尔对绘画产生了浓厚的兴趣，放弃了法律，先后进入了巴黎美术学院和朱利安美术学院。美术学院的氛围与老师生动的教学方式激发了他的绘画热情。在朱利安美术学院他结识了塞留西埃、丹尼斯和朗松，不久维亚尔也加入了这个团体。塞留西埃成了这个团体的领袖，该团体由卡扎利取名“纳比”（Nabi），即希伯来语先知的意思。

纳比派追求绘画中形与色彩构成的抽象美，取消绘画中的立体感和坚实的造型，减弱透视、明暗等素描因素。受日本浮世绘的影响，尝试壁画式的平面构成及空间处理方式，试图打破纯绘画艺术和工艺美术的界限，他们的作品形式多倾向插图、版画及装饰画。早年在纳比画派的经历奠定了博纳尔一生的艺术创作格调：平面化和装饰味，强调空间的分割，主观而富有情感的色彩。

一、博纳尔绘画中色的运用

博纳尔在西方美术史上被称为“色彩魔术师”，其作品中的色彩十分耐人寻味，对色彩的运用有着东方的审美趣味，他的作品超越了视觉所见的现实世界，从内心情感出发，以他卓越的想象能力，让作品介于似与不似之间。从一开始作画，博纳尔就发现自己在色彩观察方面的天赋，觉得对自己的天赋和视觉本能有加以保护的必要。他认为，必须大胆地把他所看到的东西如实地画出来。他对自然的描绘本着一种“绝对大胆自由”的权利，但不论他如何“大胆”，不论他在自己的想象中走得多么遥远，但在内心里博纳尔始终没有离开过生养他的土地，他以自己诗人般的方式去爱人、物和自然。和夏尔丹一样，他的作品是有血有肉，富有人情味的。同时，在精神上，他通过自己作品中的色彩放射出人性和爱的光芒。

1890年4月，巴黎美术学院举办了引人注目的日本艺术展。通过这次展览，印象派画家马奈、德加等都从日本艺术里发现了新的东西——明暗或色相的直接对比以及不对称的构图，在这些新的色彩组合中，找到了他们自己偏爱和一直追求的答案。而纳比派画家则在日本版画里看到了色彩和形式的风格化，那完备的色度处理，生动而有规则的点状平涂色彩深深地吸引着他们。博纳尔非常迷恋这种艺术上的自由，它不限于对自然的再现，只按内心的形象画，自由表达自己的所见、所想。

在博纳尔的画面中，装饰性的构图、富有生命力的线条、充满生机而不虚饰的色彩以及追求细节的艺术趣味，显然是受上述日本画的影响。在《安德烈·博纳尔像》（1890年）一画里，他用平面化的手法表现了从花园走出来的少女的风雅姿态，他用令人惊奇的准确线条勾画轮廓，着重表现了走在她前面的狗的动势。同年作的《操练》是在布古万军队时完成的，这幅充满着幽默回忆的小画，鲜艳的红色和蓝色在衬托着绿色的金黄底子上得到了协调。

在1892年的纳比派展览上，博纳尔展出了7幅作品，在《木球戏》这幅画中，通过深色蓝、青绿、浅褐色与明亮的青绿色、杏仁绿、玫瑰红等的对比，最后这些明亮的色阶和深暗的色调在作品中融为一体，再用各种跳跃的笔触表现了光的灿烂。通过这种颜色的对比与笔触，他把《红磨坊》（1896年）的人物衬托出来，使《马戏团》（1894年）中的演员动态地浮现出来。

印象派画家只致力于绘画光线和自然的色彩关系，当印象派画家在模仿真实的色彩时，博纳尔却完全改变了这种色彩的调子，自然光对博纳尔而言只是作为参照，他喜欢用中间色的丰富层次，紧紧地把握住他所要表现的形，并着意加以强调。在他所生活的时代，他总有点不趋时尚，不赶潮流，他以德加和劳特累克为榜样，自信地按照自己的方式去看、去想，默默无闻地工作着。

他抛弃了物体的自然色调，创造了一个全新的视觉世界，在那里，阴影可能涂上一层金黄，云是红的，海是绿的，而树叶却是玫瑰色的。在这色彩的合奏里，一切都是严密的，如果遮去一块颜色就如同删去一个音节，协调就会消失。他只需在周围弹出几个意外的和弦，就足以给总体带来新的音响。在这光与色的魔法中，静物中的水果、面包和饼干似乎成了人们不敢触动的神圣祭品，最细小的东西也表现出珠宝似的色彩变化——玻璃杯水晶般的透明，一只普通的盘子闪着彩釉的反光。装饰着樱桃的多菲内罐中插上一束野花，像身着夏装的牧羊女，透出朴素自然的神韵。博纳尔通过他的色彩使外部世界改变了容貌，超出了他们的客体，他以他的色彩为载体揭示了自己在对自然的观察中所体验到的情绪，这就是他投在人和物上自己的内心生活、自己的感受和想象。

二、博纳尔绘画中光的运用

博纳尔作品中光线的运用和维米尔那闪着柠檬色调的温馨画面在光的表现上一样，都是对自己内心情感的外在表达，随意地减弱或强化光线，光在这里只是一种手段时，光线是一种为画面整体服务的元素，已不再是客观世界中的自然光线，而是一种内心的光，转化为作品本身的一种光。当印象派醉心于研究大自然中千变万幻的光与色彩时，博纳尔则把光线作为自己表达理想的媒介，他的作品大都是以层次丰富中间色调为主，用一种模糊不清的隐隐约约的色光表现出令人着迷的画面效果。

1898～1899年左右出现在博纳尔画上的光，是依据画面色调所呈现的蓝色或棕色的一种模糊而隐约的光。在光的统一下，使之具有一种不寻常的宁静之美。在这光与色的和弦里，色块的对比带来了兴奋、运动以及无处不在的生命力。在色块的调配上，当某处的色调较深，这一处就配以较鲜艳的色块。这个时期的作品持续了两三年，因为光，作品的形虽不求坚实，但它是一个过渡，显示了一个过程，这时的作品已不同以往，这以后，在表现光的效果上更是情景交融。在表现城市气氛的银灰色调稍稍染上纯度较高的蓝、玫瑰红和绿，或者由于室内灯光和火炉所造成的土黄和深红的暖色调以及使画面发亮的金黄的裸体肤色，这金黄色本身又溶化在那些丰富的灰色和环境色反射之中，更显得层次丰富，灿烂无比。

他爱自然胜过一切，当新季节到来时，博纳尔立即离开巴黎，他虽爱这个城市，但他更喜爱去多菲纳，那里的高山、树林、峭壁、小溪等鲜艳明亮的景色更是他的知音。他爱画隆冬，橙黄色土地、蔚蓝天空上的枝干，以及春回大地后那些欣欣向荣的绿树和姹紫嫣红的花朵。

随着对光与色的不断探究以及构图的创新，他的风景画天际更为广阔，也更深远了。在室内画里，他致力于细节的描绘，背景不再是空泛的色彩。他描绘的模特往往与环境融为一体。如1903年的《有产者的午后》，天空清晰而高远，画面是明亮的蓝色调，描绘了一幅诗一般的田园风光。画于1913年的《乡间餐厅》更是光彩夺目，给人一种奇特的感受，画面笼罩在一层魔术般的神秘氛围中，不论花、水果还是人物的脸部色块都融在色与光的灼热之中。门窗外是天堂般的淡紫色花园；阳光洒满每个角落，桌布因补色的反射而变蓝，水果盘有着青绿色的阴影，在这些冷色的映衬下，那些红色、橙色、玫瑰色和朱红色变的更加火烈。

三、博纳尔绘画中光与色的情感交融

艺术的一个重要特点就是艺术内容的情感性，它常常不以生活的合理性为标准，而是通过夸张、想象、移情等表现手法进行情感的变形，它决定了艺术的形象性、具体性。艺术品也是艺术家情感包容的物化。所以，情感作为对艺术对象感知的首要条件，不管是转瞬即逝，还是意义深长都对画家的创作起决定性的作用。

博纳尔的线条浓淡间杂，疏密相间，显示了一种巨大的活力。他作画开始很快，画布固定在墙上，先不规定画布的大小，用炭条勾出大轮廓，然后用笔快速地把色彩铺开，用笔轻捷，把底色显露出来。以后，再进行初步调整，接着，按他的逻辑把形和色完美地结合在一起。主题效果是从色阶的微妙变化中产生的，它让色和形保持了极其微妙的平衡，也就往往隐藏了构图上的独创。《化妆室》左面处理成蓝色的协调，右面却是橙玫瑰色的协调，由于画幅中央光的反射，使这一部分和另一部分色彩的重复，避免了对称。他说：“我很怕规定好尺寸，我不能在硬性规定的尺寸内作画，因为初稿中很难确定它们的比例，构思过程中或多或少地要改动或剪裁原定的尺寸。我总是选用比画面更大一点的幅面，为的是无拘无束地作画，我可以随便改动。特别是画风景……”

为了表现光，博纳尔运用颤动而精炼的小笔触来描绘这种幻觉，把玫瑰花画成水果般的饱满，把葡萄画成花朵般透明，天空的云层宛如海天之处的岛屿。金黄色和橙色的阴影在他所有作品里出现，不论是裸体或是餐桌，如在《脱洛维尔港》和《黄色气船》等作品中也都能找到。所以，在那幅著名的《浴盆中的裸体》中，他采用花布一样向下直射的线打破横向的画面，金色、黄色和淡紫色都在水中融合。前景，他让闪烁着蓝色的瓷砖和两块红色阴影互相掩映，而澡盆掩没在反射光中。形和色生动地融化在光线中，而且随光的意愿吞噬着物体而使他们变的富丽堂皇。

综观博纳尔的作品，画面的色彩基本上由橙蓝、黄、紫色、翠绿所组成，经画家魔术般的神奇笔触与构成，呈现出奇特的视觉效果，通过对光的把握把色彩的对比度与节奏感发挥到了极致。博纳尔称自己的创作是视觉神经的冒险，这正说明他的创作超越了视觉所见的现实世界，而将现实与内心的想象揉合在一起，以其交杂着幻想和理智、大胆和谨慎、兴奋和严肃的学者身份，创造出了一个属于他个人的梦幻般的艺术世界。

博纳尔一直保持他自己独立的精神，他紧密联系于人的真实情感并力求去表现自己的情感，为的是忠于自己的意趣。他在自然里寻觅着他的精神食粮、灵感和梦想。花园中的树叶、乡间的河流、餐桌上的水果、半开着卧室的门以及一位正忙碌的妇女、壁炉上的几朵玫瑰花，这些博纳尔所常画的东西，却完全看不到它们的雷同，这些东西以其奇妙色彩和线条的韵律组合揭示了我们曾梦想的一切幸福和美好。他以光和色的绝妙组合创造了一个绚丽多彩的艺术世界。

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