浪漫主义时期的音乐风格及音乐体裁探究

于 欣

一、概述

（一）概念

“浪漫”一词源自于拉丁语方言以及古代法兰西语中的“Romance”，且最早可以追溯至中世纪的“传奇”—这一民间文学体裁，而“浪漫主义”这一概念早在17世纪末就广泛出现在英国、法国及德国等文学作品中，且发展至19世纪，其衍生概念被广泛应用于艺术领域，以此来代表一种新的潮流与思想，浪漫主义风格由此逐渐形成，而浪漫主义音乐诞生于19世纪20年代初，当时的著名作曲家韦伯及舒伯特等人创立了这一新型音乐流派并不遗余力的推动其发展，韦伯的主要贡献是在浪漫主义时期推动了歌剧的发展，而舒伯特则在交响乐、室内乐的创作以及抒情歌曲的表达方面颇有建树。

（二）浪漫主义时期音乐的历史语境

18世纪末，虽然法国大革命最终结果为封建复辟，但在此后的一个世纪之中，各种形式的反抗压迫运动不断发生，且艺术领域中，众多音乐家渴望挣脱传统束缚并获得自由，为此在追求个性表达的过程中逐渐形成了新的时代精神，社会关系也在一定程度上发生了变革。音乐家原本受雇于宫廷及教会等当时的权利组织，通常会根据雇主的实际要求并依据特定的场合来进行音乐创作，但这一形式自贝多芬之后被打破，越来越多的音乐家走上自由音乐道路，且一些较为富裕的中产阶级也逐渐开始接受这种音乐形态，许多音乐家为获得观众的理解与支持便促使作曲技法及演奏技巧朝着富丽堂皇的方向不断发展，其中以李斯特的演奏及创作最具代表意义，音乐家感慨与观众之间的距离越来越远，为此希望通过自我表白及增加沟通与互动等方式来实现与听众在思想及情感上的共鸣，其中以舒伯特等人的艺术歌曲及钢琴小品最具代表意义。

二、浪漫主义时期的音乐风格特征

（一）标题音乐与“综合”艺术

浪漫主义音乐于19世纪得到空前发展，作为音乐史上的重要历史时期而言，与18世纪古典主义音乐存在着明显的差别，即更加着眼于未来不可知的事物，饱含着热情，孜孜不倦的追求自由生活并渴望挣脱束缚，这同时也是浪漫主义音乐中最为突出的特征之一。在这一阶段，大多著名音乐家均来自于相对富足的中产阶级，韦伯、舒曼及李斯特为代表的作曲家们不仅在音乐方面有所建树，同时还成为了文艺评论家及哲学家，这些着眼于未来的作曲家希望通过革新来突破音乐的界限，并通过将其他艺术与音乐进行融合来实现其创新发展。19世纪初，标题音乐逐渐流行并推广开来，即将音乐之外的因素化为乐思并用文字来表述乐曲的中心思想，相较而言更加强调音乐与哲学的高度统一，其中包含的宗教及道德主题也更为突出，这一点在瓦格纳的创作作品中有着明显的表现。

（二）民族主义在音乐中的体现

虽然18世纪法国大革命以失败告终，但19世纪却是民族主义浪潮集中体现的一个世纪，思想解放运动快速推进进而影响了音乐领域，音乐风格更加多样，而音乐色彩不断加强，这一时期的音乐创作者比以往任何时期都要更加注重民族特点的表现，以东欧及北欧诸国为例，音乐家们通过搜集并推动民歌出版来促进民族音乐的不断发展，一些古老的民族历史传说、现存自然风光以及大宗日常生活均可以成为这一时期音乐创作的题材，通过大量的运用民间歌曲及舞曲中的音调与节奏进而形成了独具民族特色的音乐作品，同时也为19世纪的音乐史发展添上了浓墨重彩的一笔，并由此成为了浪漫主义音乐的重要组成部分。除此之外，当时许多音乐家执着于异国情调的体现，开始尝试将西班牙音乐风格与带有东方色彩的音乐风格进行融合，以此创造出更为丰富多彩的音乐形式。

（三）业余音乐与音乐的商品化

浪漫主义音乐时期之中越来越多的音乐作品面向普通群众，且由于当时手工业的发展及乐器制作工艺的不断完善，各类乐器的生产活动更加方便，而在家中弹奏并演唱已经成为了普遍的娱乐方式。这种业余音乐在日常生活中的普及使得人们对于乐谱的需求明显增加，为此乐谱的价值也开始逐渐商业化，创作者完善了记普法并予以推广。虽然越来越多的普通群众开始走进音乐厅，但由于个体之间在审美及艺术修养等方面的差异性，为此很难准确判断音乐的优劣，由此各类报刊及杂志上开始大量出现音乐评论类文章，希望以此对听众做出“专业”指导，而此时音乐经纪人出版商则成为了音乐作品与社会大众之间重要的沟通桥梁，他们热衷于在公众中推广音乐活动，对当时的作曲家及演奏家而言具备一定的鼓励作用，音乐评论家应运而生，其文章不仅向观众宣传音乐家本人同时还对作品进行深入分析，在一定程度上提高了听众的音乐鉴赏能力并建立了音乐趣味标准。

（四）浪漫主义音乐风格

浪漫主义音乐于19世纪快速发展，独特的音乐风格相较古典主义而言具备一定的创新性，但同时又是在继承某些古典元素的基础上才得以形成的。18世纪与19世纪的音乐元素大致通用，在调式、曲调、和声及节奏等方面基本相同，即使进入了新的音乐时期，但某些作曲家的身上仍然存在古典主义的缩影。浪漫主义音乐风格在一定程度上可以看作是对古典主义音乐局限性的突破，这是因为浪漫主义作曲家更加致力于自我表达、亲密交谈及追求自由，对综合艺术方面予以高度关注，为此这一时期的音乐体裁得以丰富、音乐语言得以创新、旋律本身的抒情性得以加强、乐句结构的伸缩性得以凸显，同时在功能和声方面加强色彩变化，以调性音乐为主并在外音和声及远关系转调之间频繁更换，与此同时作曲家们积极探索不同乐器的组合以产生不同的音乐效果，其配器手法因此得到迅速发展，通过增强力度的对比及速度的变化来构建更为自由的形式结构。

（五）后浪漫主义色彩

19世纪末至20世纪初的几十年内，欧洲音乐发展历经特殊时期，这时浪漫主义音乐经过100多年的发展似乎已走到尽头，这一阶段欧洲政治相对稳定，“世纪末”思潮快速发展，社会动荡且国际形势紧张，第一次世界大战也在此期间发生，这时的音乐风格及内容与19世纪上中叶相较而言发生明显变化，德、奥等国家的作曲家更致力于音乐的表现，即通过音乐作品表现某种哲学思想、作品篇幅相对较大、情感过剩且有外溢倾向，意大利此时产生了真实主义歌剧，更加强调戏剧效果带给观众的视听感受，法国印象主义流派开始发展，而俄国开始盛行以斯克里亚宾为代表的神秘主义，通过将各种感观相结合的方式来促进音乐的可持续发展，但后浪漫主义音乐时期总的各种动荡及激进试验终结了这一时代。

三、浪漫主义时期的音乐体裁形式

（一）钢琴音乐体裁

19世纪初，钢琴及其音乐作品快速流行，各国钢琴制造家也对现代钢琴做出了进一步改进，以往的钢琴以木质支架为基础，现在则采用铁铸支架以期达到更好的张弦效果，创新采用复式杠杆装置，琴弦不仅做了加长处理同时还采用了交叉排列的方式，从而使键盘的音域扩大到了七个半八度，为此钢琴演奏的音响更加丰满，而力度的对比也更加强烈，可以满足当时演奏者的各种炫技需求，踏板的改进使得音长得以延长，利于营造一种回荡的意境，使乐曲更加具备浪漫主义色彩。18世纪末、19世纪初，钢琴音乐逐渐演变成了两种不同的演奏风格，一种以突出织体的清晰度与技巧的流畅性为主，其代表人物为莫扎特的学生胡梅尔，而另一种则重点突出丰满的音色以及大幅度的力度变化，代表人物为贝多芬，且演奏出来的钢琴音乐作品极具戏剧性与管弦乐效果，为此也构成了浪漫主义时期的钢琴音乐风格。许多作曲家更加注重内心情感的瞬间表达，创作灵感迅速产生但也迅速消失，为此更加偏向于短小的抒情小品，此时特性乐曲及标题小曲也得到快速发展，代表人物为舒伯特及门德尔松，从而为钢琴音乐在公开音乐会中的演出奠定了基础，后期李斯特等人致力于突出乐曲表现力并展现演奏者的演奏技巧，进而促使音乐风格向华丽的方向转变。19世纪钢琴音乐以奏鸣曲、回想曲、变奏曲及幻想曲为主要体裁，同时也包含了对传统题材的创新，而特性乐曲的规模相对较小，常见体裁为前奏曲、夜曲、叙事曲及狂想曲，即在标题处便表明了乐曲的基本情调，而标题小曲虽不是这一阶段的特有曲种，但在浪漫主义的影响下主观性得以更强而装饰性及娱乐性相对较少。

（二）室内乐

室内乐原指在房间内演奏的家庭音乐，后来发展为在较小的场地所演奏的音乐，区别于大型管弦乐而言，主要是由几件乐器进行演奏的小型器乐曲，以重奏曲及小型器乐合奏曲为主，但不包括一件乐器的独奏形式。室内乐中的“室”原是指欧洲贵族城堡中的音乐室且通常为金碧辉煌的大厅，几乎所有的巴洛克器乐曲都可以视作室内乐，区别于当时的教堂音乐及戏剧音乐，只有少数人演奏及演唱并提供给少数听众。16世纪末诞生于意大利，在16至18世纪中得到快速发展并逐渐形成分类，19世纪上半叶随着音乐逐渐步入普通群众的日常生活，表演地点也从私人家庭逐渐转移至公开的场所，为此室内乐也被赋予了新的含义，即由少数乐器进行表演但却无关于演出场所的现代室内乐，以弦乐四重奏为主，而德国作曲家舒伯特及门德尔松等人沿用古典主义时期的乐器组合形式并予以创新，进而促使室内乐得以迅速发展，但19世纪的室内乐缺乏浪漫主义精神，更加强调音乐思想的纯净性，通过乐器之间的对话交谈来缓缓推进主题及情节的展开，以勃拉姆斯的《降E大调三重奏》为例，主要对钢琴、小提琴及无活塞圆号进行组合并采用了新的写作技术与演奏技巧。

（三）管弦乐体裁

浪漫主义时期的管弦乐队以古典时期已经定型的编制为主体，即以弦乐、木管及铜管乐器为主，同时配合打击乐器及色彩性乐器，19世纪初期，木管乐器得到改良，而铜管乐器则通过加上活塞的方式来实现其技术性能的有效提高，各乐器组的联合使得乐队整体表现力的有效提高，且这一时期作曲家表现欲也较为突出，主要体现在乐队的编制逐渐增加，通过引进木管乐器及各类亲属乐器的方式实现了管弦乐队及管弦乐主要载体的创新变革，以至于到了后浪漫主义时期，创作中对于三管制及四管制的应用已经相对普遍。纵观这一时期的交响乐作品，主要是以贝多芬交响乐为基础进行的创新发展，其中不乏对古典传统音乐元素的延续，其中以舒伯特及勃拉姆斯为代表的作曲家所创作的不加任何标题的纯音乐交响曲就充分体现了这一特点，与此同时以门德尔松为代表的作曲家通过为乐曲加标题的方式来奠定情感基调，但实际上观其交响曲代表作《苏格兰》及《意大利》等可以得知仍然保留了古典交响乐的结构，甚至延续了其表现手法，这对于听众自身的音乐涵养、想象力与理解力的要求均相对较高，由于个体之间存在差异性，为此对作品的阐释也不尽相同。除此之外以李斯特为代表的作曲家主张综合艺术，尝试在交响曲中引入音乐以外的元素，以传奇性的故事及文学名著典故等内容来构筑自己的音乐作品，除添加文字标题及说明之外在结构形式及创作手法方面均予以创新变革。

结 语

浪漫主义音乐可以看作是对古典音乐的一种突破，相较而言其旋律更加神秘、色彩更加脱俗，情感表达更加真挚且深切，在沿用部分古典音乐元素的基础上对创作手法及演奏技巧予以创新优化，进而构建出一种空前的抒情音乐风格，充分调动了听者的想象力及创造力，同时也提高了听者的音乐鉴赏能力及综合素养，19世纪是浪漫主义音乐快速发展的时代，而浪漫主义则是这一时代音乐艺术的精华所在，这种强烈的主观主义倾向使得这一时期的艺术观念得以变革，且这一时期留下的大量音乐作品在一定程度上促进了现代音乐的可持续发展。■