浅谈文艺复兴时期的音乐研究

李艺花

摘要：西方文艺复兴时期是一个重要时期，在这一阶段中人文主义影响力不断扩大，对之后的历史产生深远影响。在文艺复兴时期多项艺术也得到发展，音乐作为重要的艺术种类，在这一阶段产生了很多优秀的音乐作品。本文以文艺复兴时期人文主义精神为切入点，探究文艺复兴期间复调音乐、器乐音乐、合唱音乐、世俗音乐的发展。

关键词：文艺复兴  宗教音乐  世俗音乐

中图分类号：J605

一、文艺复兴内涵

（一）文艺复兴

“文艺复兴”这一概念是在法国百科全书中首次提出的，在该书籍中，将“文艺复兴”指为14—16世纪阶段的文学、艺术和思想文化运动，进入到19世纪之后，这一概念得到人们的广泛认可，在法国学者布克哈特的《意大利文艺复兴时期的文化》中，将意大利文艺复兴看作一个整体，这一时期意大利的艺术进一步繁荣。在这一阶段中，人们的思想、宗教等方面约束力度都相比以往降低了，是一个自由发展的时代。

（二）文艺复兴内涵及起源

在文艺复兴时期“人”是最核心的，文艺复兴运动起源于意大利，体现出了当时意大利的社会情况以及价值观的变化，之后席卷到了英国、德国等欧洲国家，最终共同形成了文艺复兴高潮。文艺复兴主张的并不是恢复古希腊文化，其主张的真正内涵是“人文主义”。

文艺复兴之所以在意大利起源，是由于当时意大利经济水平较为发达，商业活动频繁，意大利人民对古典文化有着极高的推崇。意大利有着丰富的文化遗产和人文积淀，罗马时期的竞技场、市政设施，不断挖掘到的古罗马文物都说明了意大利曾经的辉煌。意大利艺术家们不断搜集古罗马时期的文化遗产，在这一时期中发现了《荷马史诗》、亚里士多德的著作等等，这些文学遗产为文艺复兴运动提供了基础。根据相关资料记载，14世纪罗马教皇修建了图书馆，收集的古希腊书稿达到了3650册，这些丰富的文化历史遗产为人们提供了指引，此外意大利人宽容开放的精神也使得古典文化得到进一步兴盛。意大利人民在精神上继承了古罗马精神，对于社会中出现的新思潮呈现出开放包容的心态。

此外意大利有着独特的地理环境以及良好的经济环境，在中世纪时期意大利是一个自由的城市，市民阶级占比较高，良好的经济基础为文艺复兴的兴起奠定了物质基础，大量的欧洲学者、文人、艺术家等等来到意大利，为文艺复兴运动的发展创造了良好的外部环境，并且这个时期印刷术和造纸术在欧洲开始广泛传播，这使得古典作品再一次受到人们的青睐。

二、文艺复兴时期复调音乐研究

（一）复调音乐概述

在中世纪时期罗马教会礼拜过程中会使用格里高利圣咏，这一种演唱方式最大的特点就是无伴奏，是以男声歌唱的单声部。歌词为拉丁文，在演唱中没有明显节拍，是建立在自然音阶基础上。随着宗教音乐的发展产生了经文歌，也出现了奥尔加农，进而出现了复调音乐，在文艺复兴时期复调音乐得到了极大发展，其中最知名的作曲家是来奥南和佩罗坦，他们最擅长的就是奥利奥尔加农和第斯康特。

格里高利圣咏几乎是西方音乐的源泉，在其基础上出现了复调音乐、合唱以及各类音乐，为之后西方音乐的发展奠定了基础。特别是随着记谱法的不断完善，对节拍节奏的规范化，以及音乐理论的进一步发展，使得多声部音乐开始取代单声部音乐，在其发展中出现了和声和复调音乐。

（二）奥克冈音乐创作特点

奥克冈出生于勃良第地区，是文艺复兴时期著名的歌唱家、作曲家，虽然他的作品储量并不多，但是对之后欧洲音乐的发展影响巨大。他创作的13首弥撒曲中有3首未能完成，他的弥撒曲大多数是从已有旋律中二次创造的，这些旋律有宗教的，也有世俗的。通过欣赏奥克冈创作的弥撒曲，可以深入了解到文艺复兴时期复调音乐的特点。

奥克冈的复调音乐作品中几乎每一个作品都包含了四个声部，将每一个乐章中的定旋律作为音乐主体结构，在音乐作品中出现多次定旋律声部，有时候四个声部中并不一定高声部是定旋律声部，会与其他声部进行交叉，这一创造手法是极少的。奥克冈会将定旋律声部放在最低声部中，他独特的音乐创作方式为后续音乐发展带来极大启发。在奥克冈所创造的弥撒曲中，低音声部音乐相对比较宽，出现了大字组F，对复调音乐进行了创新。在四个声部的演唱中，他非常注重和声的配合，他的复调音乐为之后的合唱团以及唱诗班表演方式奠定了基础。

在音乐中歌词占有重要地位，可以帮助人们更好的理解音乐，在中外音乐创作中都非常注重歌词。奥克冈在音乐创作中会融入自己对时代的看法，这也是文艺复兴时期音乐作品的重要特点之一，只有让歌词和音乐内涵达到统一，才能让听众了解作品的内涵。虽然弥撒曲在歌词上对音乐表现进行限制，但是在定旋律的配合下，主旨歌词可以多次重复，使得听众了解整个作品中作者最希望表达的含义。奥克冈在音乐创作中打破了弥撒曲对歌词的束缚，力求使歌词与音乐内涵得到统一，这一理念为后续歌剧创作奠定了基础。

在奥克冈的复调音乐创作中，还对乐段划分进行了创新，不论是高声部还是其他的声部，乐句划分使用休止符标识或者是通过声部之间的歌词交替取代。在《短拍弥撒曲》《越来越》等作品中都有这一特点，在《武装的人》这一作品中，还采取了序列的技术技巧，并且在多部弥撒曲中采取追进风格的技巧。此外奥克冈在作品中还表达了自己对宗教的热爱、对生活的热爱，他的作品既体现出中世纪的复调技术，也有了复调技术的创新，为后续音乐的发展奠定了基础。

（三）奥克冈《短拍弥撒曲》分析

奥克冈创作的复调音乐作品当中音乐表现力极强，其通过声部组合、低音形态以及对位模仿等方式，体现了文艺复兴时代早期音乐作品的基本成就。其创作的《短拍弥撒曲》被公认为文艺复兴时期重要的复调音乐作品之一，四个声部采取四种不同节拍的方式，由双重有量卡农形成，从最初的同度卡农逐渐成为八度卡农。在卡农的不同声部采取不同的節拍时值进行，例如第二声部是第一声部音符时值的增值。在《短拍弥撒曲》当中，高声部是采取四分之二拍，低声部采取的是八分之九拍。其次在《短拍弥撒曲》中还采用了“序列”技巧，这是一种新的创作手法，主要是在声部之间的旋律中加入音符排序，并且在其他声部内采取各种形式排列，通过新的方式形成了新的复调作品技术。在复调音乐中运用了半音进行，为复调音乐的转变提供了指导。F67968E4-29FE-4B5C-B3AE-576EE46BED68

在《短拍弥撒曲》当中声部之间的音程关系被限制在纯四度内，在音阶上行级进和三度跳进，中声部采取与上下声部协调的音响效果，在内部音程中也只是简单的级进和三度跳进。这种创造手法既可以被当时的时代所接收，也对其复调音乐写作方式进行了创新。

在《短拍弥撒曲》当中没有采用定旋律，是采取更加自由的方式创作出来的，奥克冈的音乐作品中充分体现了文艺复兴时期中的“人文主义”内涵，在其音乐中有对宗教音乐的热爱，作品中表现了一位宗教信徒的虔诚情感，希望得到上帝的赐福。虽然《短拍弥撒曲》中歌词比较简单，但是表达了作者希望得到上帝保护的心态。音乐上采取了卡农追进风格，对作曲形式进行了创新，还结合了有量卡农，使得复调音乐得到进一步发展。正是因为有奥克冈等复调音乐大师的存在，才使得复调音乐得到进一步发展。

三、文艺复兴时期器乐音乐发展

（一）文艺复兴时期器乐音乐背景

中世纪时期音乐是为宗教服务的，并且是会被教会垄断的，这一时期主要的音乐是赞美歌和圣咏等。在其音乐演奏中使用的是管风琴，其他的乐器被压制，不可以在教堂内使用。除了宗教音乐之外，还有吟游诗人等创作的世俗音乐，他们所使用的演奏乐器主要是弹拨乐器、琉特琴、竖琴等。整体而言，在中世纪时期欧洲的器乐水平还比较低，不论是乐器种类、制作方式，还是演奏都比较落后，并且在专业音乐和世俗音乐当中器乐的地位都很低。

14世纪之后受到文艺复兴运动的影响，音乐家还是积极探索新的器乐，突破宗教的限制，在此阶段中器乐开始快速发展，同时在人文主义思想的影响下，普通民众的音乐需求也进一步增加，教会音乐已经难以满足人们的需求，人们希望听到更加丰富多样的音乐。这种需求的变化，也使得教会音乐出现世俗化倾向，文艺复兴运动末期，器乐开始从声乐伴奏中脱离出来，有了更加独立的地位。

（二）器乐音乐发展体现

文艺复兴时期器乐也得到了进一步发展，并且产生了新的记谱法，也就是符号谱。在这种记谱法中将字母、数字和其他的符号去表示需要弹奏的位置。西班牙、意大利和法国的乐谱当中线表示乐器中的弦，将字母或者数字去表达弦品，节奏是在乐谱的上方通过符号表示的。在管风琴或者其他键盘乐器当中，用字母或者数字的方式表达各声部音符。

同时在文艺复兴时期乐器也得到了进一步发展，这一时期不仅有着良好的艺术创作环境，还在科学方面得到发展。数学、物理等科学的发展为乐器制作提供了基础条件，这一时期有著名的数学家韦达、笛卡尔，还有众多的物理学家，还出版了有关乐器的论述，例如《音乐精义》。

16世纪后期出现了一位伟大的作曲家叫做约翰·布尔，他是一位技术精湛的键盘演奏家。他形成了一种有快速级进经过句，分解和弦的音型和具有装饰成分的音乐风格。

英国作曲家伯德发明出了将长音符变为短音符，改变拍子或者节奏的方式，将曲调变得更富有想象力。伯德在键盘乐器变奏曲和五个声部器乐曲中表现了自己的创造力，用自己的作品表明了一个作曲家可以在园本曲调限制内自由发挥，还将声乐作品改变为键盘乐曲，由于键盘乐器音持续输出能力不足，需要对作品进行调整。作曲家们为了避免采用长音符，将长音符分割成了众多短音符。在《圣经号》当中，伯德创作出了不同于声乐风格的键盘乐作品。

（三）文艺复兴时期器樂作品

文艺复兴时期出现了众多优秀的器乐作品，G·加布里埃利创作了一些有器乐演奏的经文歌，还有吹奏曲和管风琴曲。他是文艺复兴时期伴奏经文歌杰出的作曲家之一，器乐作品包含了各种组合的坎佐纳和2套《圣乐交响曲》等等。

15世纪之后欧洲乐器已经得到了较大程度的发展，索尔特丽琴、管风琴、风笛等演奏乐器地位下降，这个时期复调音乐变得更加流行，因此可以演奏复调音乐的乐器更加丰富，出现了很多由新乐器所创作的曲目。吉罗拉莫是一位优秀的管风琴演奏家，他为管风琴和羽管键琴创作了托卡塔曲、利切卡尔等等。琉特琴在演奏中的地位也进一步提升，琉特琴大师富朗切斯科出版了两本琉特琴曲集。

（四）器乐体裁发展

进入到16世纪之后，音乐中的器乐体裁数量不断增多，作曲家在创作过程中会独立处理乐器，使得器乐更加自由活泼。

组曲是非常古老的器乐形式，源自于对比性舞曲组合，14世纪舞会中就有一快一慢的对比性舞曲组合，进入到16世纪之后将一快一慢的舞曲进行组合更常见了，比较常见的有帕凡和加亚尔德等。之后作曲家发现可以将几个舞曲连接成为一个，这也使得组曲出现。

即兴演奏是器乐曲的重要方法，很多典型的器乐特征都是在即兴演奏的过程中形成了乐曲，16世纪作曲家会通过自弹自唱的方式形成基本旋律，再通过变奏方式进一步丰富乐曲旋律，既摆脱了歌词的限制，也不会受到节拍约束，是一种带有即兴的器乐曲。

四、文艺复兴时期合唱发展

文艺复兴时期合唱艺术得到了进一步发展，开始逐渐脱离教会的调式，以复调音乐为主，通过歌词决定歌曲节奏，这一阶段中的合唱已经开始向现代合唱过渡，但是也依然存在一些那个时期的特点，这一时期合唱的主要特点有以下几点：

（一）节奏旋律和和声对位特点

文艺复兴这个时期中合唱在节奏和旋律方面都存在一些差异，但是这一时期中合唱写作开始逐渐规范化，作曲家写作上也开始统一，文艺复兴早期阶段作曲家使用的节奏主要是二分音符和符号二分音符，旋律比较平稳，并且旋律上依然受到苏格里高利圣咏的限制。

文艺复兴时期合唱作品并没有节拍，节奏排列更加严格，重音完全是歌词需要。现在的重音大多数在第一拍的概念还未出现，虽然在一些文艺复兴时期音乐作品中可以看到小节线，但是主要是为了演唱者可以统一演唱，和现在的小节线作用完全不同，因此不能用今天的理解去看待那个时期的作品。F67968E4-29FE-4B5C-B3AE-576EE46BED68

文艺复兴时期乐曲速度往往比较平稳，减慢和减弱的处理很少出现，作品不能有明显的节奏变化和力度变化，不过在世俗合唱作品中相对比较宽泛。例如在奥克冈《武装的人》当中出现了基础声部，在作品中变化更加丰富。

意大利作曲家帕勒斯特里一生创作了大量的教堂音乐，其中包含了多首景点复调音乐，在他的作品中可以体现出那个时期的复调写作趋势，也包含了其特有的自然、匀称的表达风格，使得其作品更加具有生命力。在他的作品当中有数百首弥撒曲，还有大量的经文歌和牧歌，甚至一部分作品在今天依然被传唱。

《天主的荣耀》是其比较具有代表性的作品，可以发现在文艺复兴时期出现了大量四拍作品，这一作品更加平稳优美，有着旺盛的生命力和自然感。在《武装的人》当中固定旋律出现在了第一男高音声部，在其他的声部内也有定旋律，使得整个作品相互呼应非常完整。在其作品中还采取了对立手法、声部的模仿，体现出了复调旋律的主要特点。

（二）合唱演唱特点

文艺复兴时期合唱还主要是以无伴奏为主，作品主要是复调，在演唱中需要着重考虑到声部完整性，要求每一个声部都要被明确听到，每一个声部地位都很重要。因此在演唱的过程中对参加人员也有特殊要求，虽然在这一时期中已经出现了很多世俗化的合唱作品，但是依然主要是服务教会，合唱作品依然是为了传教和政治统治，女性在进入教堂时不能发出声音，因此合唱中也没有女性，女高音部分是由男童担任，为了使得声部之间达到平衡，男低声就需要接近男童音色，男高声部则需要采用弱声延长，对中声部的音量也要控制。

文艺复兴时期合唱团的编制大多数是四到十六人，和现代的重唱编制比较类似，由于人数比较少，观众会看到每一个演唱者的表情，会对合唱队员音色严格控制，每个人的音色要比较接近。在合唱队人选中要求每一位合唱队员都有良好的声音条件，要轻松自然的唱歌。在合唱中对声音要求极高，真声演唱，音色要透彻。

（三）作曲技法特点

文艺复兴时期音乐家开始探究音乐中的调式、对位和作曲规则，作曲技法得到进一步发展，其中最主要的是对不协和音的处理。在对位初期，不协和音被认为是一种不佳音，或者是无法处理的状态，在对位法中是采取安排好协和音的方式，忽略了不协和音的价值。文艺复兴之后不协和音开始得到作曲家的重视，对其处理也变得更加规范化。扎利诺认为不协和音可以带给人们愉快的听觉效果，不协和音之后的协和音往往使得听众听起来更加悦耳。此外不协和音是紧跟在协和音后更加容易被人们接受的，使得听觉得到进一步满足。由于作曲家对不协和音的认识开始改变，所以作曲中开始使用到不协和音，文艺复兴期间合唱听觉效果更佳。

作曲家维拉尔特在创作中写出了两个唱诗班交替歌唱的作品，这首作品当中有着大量不协和音的存在，使得作品带给人不同的听觉感受，在作品中并没有使用卡农形式，而是在每一个歌词后采取特殊的处理方式，并未采取对比复调手法，通过重复素材的方式加强了歌曲结构。

（四）低音声部特点

文艺复兴时期合唱声部与合唱体裁有着直接关系，在圣乐当中声部数量最少四声部。在文艺复兴时期作曲家对合唱已经有了较为深入的认知。扎里诺曾经用简单的描述去表达合唱四个声部，低音是最低声部，作用类似于大地，是整个和声的基础;男高音声部围绕低音，类似于水;高声部是闪闪发亮的，类似于空气;斯普拉诺是最有力量的声部，类似于太阳。文艺复兴前期主要是以四声部复调作品为主，这一时期低声部得到了重视，并且出现了多种类型，第一是模仿式的低音，第二是和旋基础式的低音，第三是线条对位的低音，第四是分解式的低音，第五是伴奏式的基础低音，第六是模进式低音。

五、文艺复兴时期世俗音乐

文艺复兴之前世俗音乐地位低下，人们认为世俗音乐是不专业的音乐，但是在文艺复兴中世俗音乐开始被大众所接受，并且大量的音乐家开始创作世俗音乐，这也使得世俗音乐得到进一步发展，开始被社会广泛接受。在专业作曲家的创作下，世俗音乐与宗教音乐进行融合，成为了专业的音樂。

世俗音乐的发展是文艺复兴时期“以人为本”思想的重要体现，开始注重人的情感，打破了宗教音乐的限制。

六、结语

文艺复兴是西方社会文明大发展的时期，对于后续世界产生深远影响，在音乐作品中也体现出了“以人为本”的理念，器乐、合唱、复调音乐都得到了极大的发展，在创作方式、表达内容上都有了进一步突破，即便是宗教音乐在这一时期也得到了发展。这一时期形成了新的音乐美学价值观，为近代西方音乐发展奠定了基础。

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