关于高师中国画教学的思考

凌晓星

（安庆师范学院艺术学院，安徽 安庆 246011）

一、中国画教学现状

因艺术院校大规模扩招而入学的学生，质量逐年下降是人所共知的事实。有的学生高考之前仅画过素描头像、水粉静物，其余的油画、版画、中国画等不但从未接触，甚至闻所未闻。一般师范院校艺术系的课程安排大多是蜻蜒点水式，求全而不求精。中国画是一门需要长期学习钻研的课程，不仅需要大量时间学习笔墨技巧，还要对中国传统文化作相当程度的了解。如此短促的学习时间，很难有什么效果。就教师来说，上课也有一定难度，一方面因为学生人文知识面偏狭；另一方面，如今泡沫式的流行文化，也在摧枯拉朽般席卷社会，青年学生一不小心就会随波逐流。再加上中国画的基础教学枯燥沉闷，与如今快节奏的生活方式格格不入，所以大部分学生很难有激情学习中国画。如何改变这种现状，我认为一方面要修整中国画的教学方法，许多因历史原因形成的错误方法应予改正；另一方面尽可能的加强学生的素质文化教育，改变现在社会上对大学生“有文凭没水平”的说法。

二、改变“素描是一切造型基础”的观念

建国后的美术院校都信奉“素描是一切造型基础”的观念。中国画是以“表现”为主的，是一种追求心灵自由的绘画方式；西方古典素描追求光影变化，三大面五大调，是建立在“再现物象”基础上的绘画形式，是两种文化背景、审美习惯各异的画种。所以在中国画的基础教学中要改变“素描是一切造型基础”的观念。应该强调以“线”造型，以线造型是中国画的传统，西方传统则以“面”造型，以线造型有它幽雅、轻松、灵动的特质，符合中国人的审美要求；西方的“块面”造型是适合表现物体的质感、量感、力求真实再现物象的方法，以此来表现中国画效果是适得其反。

三、加强学生的素质文化教育

从中国画教学的角度看，在上好本门专业课的同时，还需从以下几点加以引导：

1.传统。“传统”是个很大的概念，美术史论只是其中的一个分支，其余如文学、历史、哲学……都应该是我们必须了解的范畴。古人说：“行千里路，读万卷书”，读书就是吸取各个学科的营养，在传统绘画中，美术与文学的关系尤为密切，古人提倡“诗、书、画、印四绝”、“诗中有画、画中有诗”。绘画追求“诗意”；写诗追求“画境”。诗歌是中国绘画的灵魂，宋代画院以“踏花归去马蹄香”、“深山藏古寺”等诗句为题来测试学生的创作能力，考察的其实也就是综合素质的能力。艺术是人们面临现实、关注人生的思考，是对于生命认识和自觉的追求。一味在本学科内固步自封、闭门造车，艺术本身就很难有发展。只有不断地吸收新鲜血液才能常画常新，应该“笔墨当随时代”。另外，我们在进行中国画教学时，必须阐明中国画形成的文化背景、哲学基础等。中国绘画其实就是传统文化的承载物，二者是密不可分的。传统是一条河，绘画就是河面上晶莹的浪花。明白了这一点就可以使学生了解它与西方艺术的区别，以及有正确的眼光去关注中国的传统绘画。

2.姊妹艺术。学习中国画还必须同时借鉴吸收姊妹艺术的营养，比如民间美术与宗教艺术。在中国美术史的发展长河中，民间美术起着不可估量的推动作用。即使是中国山水、花鸟、人物画最为鼎盛的唐宋时期，民间美术仍然是中国画的发展基石。后来齐白石、吴昌硕等画家，就是从民间美术中挖掘新的绘画元素，从而成为一代宗师。而宗教艺术最为辉煌的是敦煌壁画。敦煌壁画是宗教美术集大成者，从六朝到晚唐宋初，这七八百年间的艺术创作，创造了美术史上空前绝后的奇迹！用宗白华的话说是“中国伟大的艺术热情时代！”“从敦煌壁画中我们可以发现它在中国整个艺术史上的特点与价值。它在对象上以人物为中心，造型跌宕飞腾、婀娜多姿，人像的重不在体积而在于飞动的旋律之中，足下波浪似的莲座，联合着人物飘飞的衣带，组成一幅广大繁富的旋律，象征中着宇宙节奏。”从文化意义上说，敦煌壁画所处的时代是文化丰盛的时代，足令我们后人赞叹、称奇，并为之向往。学习优秀的传统文化如果局限于“阳春白雪”就像是贫血病人，营养不良，四肢无力，生命力也难以长久。在中国画教学中，我们一定要认识到各艺术种类对中国画的补充作用，要从历史文化角度出发，以一种“大眼光”的态度去学习中国画，以此拓宽学生们的视野，激发他们的想象。这样，中国绘画就不至于成为“五四精英”们所嘲讽的那样，是一门“暮气沉沉、僵硬麻木、垂死的艺术”

3.西方艺术。西方古典艺术与中国古典绘画在技法上存在着“写实”、“写意”的区别。然而自十九世纪法国印象派绘画诞生以来，中西绘画朝着相互相反的方向运转。西方艺术开始注重“写意”，强调个性自由的发挥，追求“意像艺术”；中国艺术因为西方古典绘画的传入，一方面感到耳目一新，另一方面从现实政治角度考虑，再加上当时社会思潮对传统文化进行猛烈抨击，故而大踏步地向“写实“的方向发展。经过一段曲折的历程之后，又回到反思传统、借鉴西方的路子上来，此一时彼一时，现在的西方艺术很多方面可以成为中国画的有力补充，包括构图、色彩、造型以及材料、制作手段等技术层面。“中学为体，西学为用”的观点再次被提出来，这在二十一世纪的今天更显得意味深长。

四、培养学生的创作意识

创作是综合能力的体现，但同时“创作”作为一个过程，又是一种艰辛的实践活动。对学生创作意识的培养是个潜移默化、长期的过程。一方面是让学生明白“创作”作为一种修养它是一种精神寄托，是人格的体现，是文化水准的体现；另一方面又要把“创作”理念根植于平时学习及日常生活的当中，要以一种创作的眼光去观察事物。创作教学中很关键的一环，是学生的外出写生课。现在由于各大院校的扩招，艺术系低年级学生大多没尝试过风景写生，写生课上因为无经验可循，加上创作意识的淡薄，以至于面对真山真水无从下笔，越画越灰心，乃至于把写生课变成变相地游山玩水，临走拍几张照片，回去对着照片“写生”，作为作业上交充数，这样是无法培养学生的创作能力的，所以教师在写生课上，一方面要督促学生动笔动脑，努力画好每一幅画，更重要的是以身作则，以画范画的形式指导学生如何概括，提炼客观事物，如何去发现美、表现美乃至创造美。对于学生的灰心丧气，也应以引导为主，耐心教育，不可听之任之，导致恶性循环。创作教学是教与学的统一，既要充分发挥教师的指导作用，又要充分发挥学生本身的主动作用。一方面创作活动有一定的规律，在思想感情的培养、创作道路的引导方面、在艺术规律的阐明、在前人经验的传授方面都是教师可以教而且应该教的；另一方面，创作又是个性化很强的精神劳动，不能由别人包括教师在内来代替。创作教学又不能行政决断，应以引导为主，教学时特别要求了解学生，因材施教，发现和启导学生的创作个性，发展其所长，克服其所短。

五、书法的作用

自古有“书画同源”之说，其论证是文字绘画都是从原始岩画脱胎而来，他们相互的关系犹如兄弟姐妹。中国绘画至唐宋时达到顶峰，而中国书法在魏晋时代便已尽善尽美，但它与中国绘画紧密有机的结合，并熔为一体，应该是在元代完成的。宋元时期，是中国绘画最能体现中国文化精神的时代，最具代表性的就是“写意画”的出现。“写意”以书法入画，相对于宋以前的绘画，它使中国画的笔墨形成一个更严、更高、更难的标准。黄公望说：“逸笔草草，聊写胸中之逸气。”赵松雪有诗云：“石如飞白更如籀，写竹还与八分通。”“写”——强调书法用笔，追求线条抑扬顿挫，犹如音乐节奏旋律之美；“写”更进入笔墨融合的层次，笔法即墨法，即笔笔有形、笔笔有墨的绘画状态。“写意”应该是中国绘画中难度最大的，远不是江湖骗子们煞有其事地胡涂乱抹。“写”之心是之意味，决非状物造物，“写”是画家的语言，又是画家的状态。“画如其人”，通过绘画去体现画家的人品、学识与修养。学习中国画的笔墨应该同时学习书法，每日练习书法至少有三个好处：一是养成屏息静气、心静如水的学习状态；二是从书法的笔画中锻炼中国画线条笔墨的韵味；三是可以清心明目，锻炼身体。

六、关于中国画的临摹

很长一段时间我们对中国画的学习一味强调写生，反对对历史名画的临摹，事实证明这是荒唐的，在中国画教学中我们既要认识到加深传统文化修养的重要性，又要充分尊重传统技法在现代中国画教学中的作用。因为无论是习作还是创作，中国画的学习必然离不开中国文化这个大的背景。对传统精神与绘画技巧的学习大多体现在中国画的笔墨之中。而对笔墨的认识与理解，必须经过对经典名画的临摹方可获得。一味否认传统就是背叛过去，而一个没有历史记忆、文化传统的民族最终也会被他人所遗忘。

在临摹学习中，我们必须注意一个问题，即临摹到一定阶段后就不能完全被原作所左右，沦为临摹的奴隶，要以主动的心态去学习古人的构图经验，为我所用，丰富自己的艺术手法。临摹不是复制，只要有收获和体会就并不一定要与原作一模一样，有时还需要有意识的加以改造。另外不能只临一家，要博取众长，融为一体。

七、结语

中国画是具有民族持色的艺术奇葩，在世界艺术之林也有着璀璨夺目的光辉，它是中华文化的凝聚，也是中华民族文化的艺术结晶，学习并保护好这朵奇葩是我们这代师生义不容辞的责任。这些年来，由于对中国画的偏见与漠视，在青年学生中文化断层正在慢慢出现，若再不努力弥合，等到断层形成，再投入浩大的人力物力去弥补，则恐为时已晚，事倍功半。

[1]宗白华.美学散步[M].上海，上海人民出版社，1997.

[2]王宏建，袁宝林.美术概论[M].北京，高等教育出版社，1994.

[3]王伯敏.中国绘画史[M].北京，三联出版社，2006.