浅谈戏剧灯光对演员的配合和对观众的引导

刘晓贞

（厦门歌舞剧院 福建 厦门 361001）

波兰导演、戏剧家格罗托夫斯基说：“戏剧是发生在观众与演员之间的事。”说到底，戏剧是由演员扮演剧中的角色，在舞台上表演故事内容，让观众欣赏的综合性艺术。舞台灯光作为舞台美术的重要组成部分，是现今戏剧演出不可或缺的重要内容，其通过灯光变化来营造特定的光环境，同时与舞美、服装、化妆、多媒体等相互配合，增强戏剧效果，引导演员和观众更好地融入剧情，理解剧情，从而触动心灵，升华灵魂。因此，在戏剧演出过程中，灯光显得尤为重要。本文从演员和观众的角度入手，论述舞台灯光对演员的配合和对观众的引导。

一、舞台灯光对演员表演的配合

在戏剧表演中，演员是核心，灯光是辅助演员表演的重要手段。舞台灯光与演员的配合主要表现在以下几个方面：

（一）营造适宜的表演环境

灯光师首先要通过合理布光，为演员提供亮度合适的表演环境，让演员可以更专心地表演。其次，戏剧演出的灯光受整体演出戏剧观的支配，不同的戏剧表演风格，需要不同的灯光。比如，传统戏曲的服装、程式化表演对灯光亮度要求更高；话剧注重戏剧氛围、情境转换和人物心理变化，灯光设计更自由。灯光师可以根据剧目类型和表演方式的不同，控制光区、光比、光色等要素，着重强调情绪、肢体或面部表情等，将演员的表演形态和故事情境有机结合，恰当营造与剧目贴合的表演环境。

但是，这并不意味着舞台上演员出现的地方必须亮起来。不同场次需要重点塑造的舞台表演区会随剧情变化而转换。舞台灯光根据剧情和演员调度进行切换，例如，在大型茶文化史诗音乐剧《茶道：一叶乾坤》的第六场“禅院钟声”中，主人公华炎来到宋朝的一座茶馆，寻找对茶的感悟。在画外音的介绍下，开场幽暗的灯光勾勒了定格在舞台上的众人的轮廓。随着开门的音效声响起，木质大门打开，茶馆内景出现，灯光随之亮起，铺设环境光，面光给了中后区正在讲话的“说书人”。等说书人讲完，前区观众鼓掌，说书人顺势介绍前区正在进行斗茶赛的几位茶人，并向前区走去，茶桌区域的面光亮起。待这边斗茶赛进行得差不多了，华炎叫住店小二，与之聊起斗茶手法，此时斗茶赛部分变为次要区域，灯光师要将华炎所在区域的面光提亮，使表演区回到主演身上。舞台灯光就是这样随着演员表演区域和剧情的改变而变化。

（二）使演员塑造的形象更加符合剧中人物

演员在导演的指导下努力提升自己的艺术修养，让自己尽量贴近剧中人物。由于演员和剧中人物所处的时代背景不同，不能完全还原剧中形象，演员需要借助灯光、造型等技术手段，辅助人物形象塑造。例如，在展现正面形象时，面光会使演员显得自然，耳光（台口前侧光）会在正面布光的基础上使演员有立体感，低位的耳光还能辅助面光消除底部的阴影。而逆光有神秘感，可以表现神秘的场景。比如，在厦门歌舞剧院创排的话剧《小城春秋》中，剧中的反派——侦缉处处长赵雄在前区与手下说话，舞台提示不远处传来口号声“打倒日本帝国主义”“抗日救国、抵制日货”，一群拉着横幅的年轻人经过。这群年轻人出场时就要用逆光塑造他们的神秘感，强化空间关系。顶光给人以严肃、庄严的心理感受，剧中英雄人物出场时配顶光，具有雕塑感。比如《小城春秋》中的主演吴坚（“厦联社”主要负责人、中共党员）上场时，灯光师运用顶光，突出主人公的光辉形象。侧光会给观众带来紧张、冷酷的心理感受，比如，歌剧《貂蝉》里近百人的合唱团成员穿着素色的服装、戴着统一的面具，站成一个矩形方阵，第一次出场仅利用侧光的语汇便将压抑、紧张的氛围展现得淋漓尽致。脚光会给人带来恐怖的心理感受，比如，在川剧《金子》中，金子双目失明的婆婆焦母站在台前，面对观众，自说自话，恶毒诅咒，一束绿色的脚光适时打亮，其恶人的形象展现得淋漓尽致。同时，脚光还可以暗示人物的内心矛盾和阴暗的心理。这些案例展现了舞台灯光的基础布光方式。灯光师合理运用布光方式可以使演员符合人物设定，强化人物形象。

（三）通过灯光变化配合演员完成演出

灯光可以作为表演的一部分，配合演员表演。比如，在厦门歌舞剧院创排的音乐话剧《老宅》中，女主角明月是生活在闽西大宅院里的寡妇。她遇到深夜拍门求救的受伤红军阿水之后，内心发生变化，开始向往院墙之外的生活。在剧中，她养了一只小鸟。在她陷入想走不敢走的纠结中时，她放飞了这只长期在笼中生活的小鸟，可是小鸟不愿飞翔，扑棱着翅膀落在了桌子上。她一次次捧起小鸟，小鸟一次次落下。在演出中，这只鸟是不存在的。一束小小的定点光，象征着落下的鸟儿，配合音效，引导着演员的表演。演员打开笼子，随着鸟扑棱翅膀的声音，茶几上小小的定点光亮起，演员的目光落在茶几上，灯光在演员做出捧鸟的动作后便收掉，之后，地面上的定点光亮起，演员的目光由空中落在地面，演员再次做出捧鸟的动作，定点再次收掉，如此循环往复。灯光象征鸟儿的起起落落，配合演员完成表演，推动剧情发展。

（四）强化演员表演情绪

在戏剧演出中，故事情节的传达需要借助演员的语言、动作、表情等一切必要手段。但在某些情况下，仅仅依靠演员并不能完整地传递故事内容，例如，在舞剧表演中，受制于剧目特点，设计师要运用灯光，紧密配合剧情发展，营造适宜的情绪环境，从而给予演员帮助，强化演员的情绪，让戏剧情节更有说服力。

在话剧《小城春秋》第八场中，书茵为了她的爱人吴坚及几十位战友能在六点钟顺利越狱，不惜暴露自己是共产党员。在六点钟声敲响的那一刻，随之而来的枪炮声让书茵知道，她协助同志们越狱的任务完成了。同时，站在舞台前区的书茵的脚下开启了一扇“门”，这扇“门”是灯光，其从无到有，像开门一样出现一道缝隙，缓缓向两边打开，最终形成一条光路。这扇“门”，这条“路”，间离了角色和现实空间，象征着她的心路历程，象征着她对未来的美好期许。

二、舞台灯光对观众的视觉引导

观众对戏剧的理解受制于自身的观剧经验、文化修养、审美能力。因此，舞台灯光设计既要以剧本和导演意图为依据，也要从观众的角度出发，协助观众更好地进入观演空间，认识剧中人物，理解故事内容。舞台灯光对观众的引导主要分为视线和情绪两个部分。

（一）引导观众视线

1.利用“趋光性”

人的眼睛有趋光性，在黑暗中会“逐光而行”。灯光设计师可以通过明暗对比使观众将注意力集中在演员的表演上，引导观众深入剧中人物的心灵深处，像剧中角色那样，寻找赋予戏剧内涵的情感色彩和空间气氛。舞台上每一处需要表现的地方都应通过合理照明，呈现给观众。灯光的亮度变化像素描作品的明暗线条，对舞台画面进行再塑造。灯光设计师控制不同区域的亮度可以引导观众看清舞台上的场景和表演，也可以通过控制光的投射方向和照射范围，让灯光具有艺术价值。

在某些情况下，观众区域和表演区域不再受限于“第四堵墙”，打破了传统戏剧空间观念，彼此融合、重叠、渗透在一起。灯光使表演区域自然转换，吸引观众注意力。

2.强化舞美形象

舞台场景转换就像变魔术，为了不露破绽，相关人员要下功夫。比如，舞台灯光可以让观众产生错觉，舞台灯光师通过光比强调特定区域，与舞台机械配合，将观众的注意力引导过去，使平淡无奇的场景自然地显示立体感，避免舞台穿帮。话剧《小城春秋》第二场“厦联社”主要负责人、中共党员吴坚以及骨干成员先后被捕。紧随其后的三场戏都是阴森的监狱场景，红色的多媒体画面透露出监狱的血腥，巨大的黑色栏杆斜立在舞台上。如果用灯光从正面打亮栏杆，那画面将平平无奇，甚至会把舞美装置的瑕疵显现出来。最终，灯光设计师使后区图案灯反向打在栏杆上，在地面形成更为清晰的栏杆光影，进一步强化了“监狱”的形象，加上冷酷的白光与红色的背景相互冲击，使监狱阴森恐怖的氛围展现得淋漓尽致。

（二）引导观众情绪

人的眼睛对光的变化最为敏感，改变光的强度、光的分布和光移动，可以让观众的情绪产生波动。在话剧《小城春秋》的最后一场中，舞台后区的一整排筒灯在暗场时降至低位，外露出灯具，在吴坚说“屹立在海天之间，身披万丈霞光”时，音乐起，筒灯亮起，同时吊杆向上升，伴随着吴坚说出对未来的展望，舞台上缓缓升起一道耀眼的光幕，25秒后，吊杆到位、筒灯亮度达到最亮，主屏幕画面淡入东升的太阳。这一系列操作将灯光、音乐、吊杆的动作与演员的台词和剧本的高潮完美结合，契合观众的观剧心理。

光色也是舞台灯光重要的处理手法，其能产生非常微妙、复杂的效果，引发观众情感的共鸣。例如，红色会让人联想到血腥、喜庆的场景，黄色会让人联想到明媚、欢快的氛围，蓝色会让人联想到忧郁的情绪、夜晚的场景等。光色变化能暗示季节更替或一天中的某一时间段，渲染戏剧氛围，提高舞美装置和服装造型的效果，引导观众对舞台画面和戏剧场景产生直观感受。例如，音乐话剧《老宅》的基础场景由墙片、带窗户的廊柱、代表室内的平台组成。舞台灯光根据剧情需要，将同样的场景用不同的光色渲染，午后、黄昏、夜晚以及心理空间等截然不同的情境随着剧情发展自然而然地转换。

灯光需要紧随抑扬顿挫的戏剧节奏、矛盾冲突，层层铺垫，往前推进，才能取得更好的表现效果。在这个过程中，灯光的画面不一定要饱和，不一定要强烈，但必须以故事情境为依据，才能直指人心。音乐话剧《老宅》的结尾场景让笔者印象深刻。明月最终选择牺牲自己，与云老爷同归于尽，这时，明月拉响了象征她内心世界的大提琴，舞美装置载着她升向高空。在音乐情绪一步步向上叠加，升华主题、渲染气氛的时候，灯光的照度并没有进行常规的强化处理，灯光设计师反其道而行，在音乐情感最饱满的时候，降低亮度、集中光区，隐掉了舞台上的众人，将观众情绪收紧，使其视线集中回到明月身上，随着音乐的尾音，灯光慢慢暗下来。“上扬反而降”像是故事的句号，这告诉观众，一切尘埃落定。

综上所述，灯光作为戏剧演出的重要组成部分和舞台创作的重要元素，对观众的思想情感有着直接的影响。舞蹈灯光师在有限的条件下，不喧宾夺主，充分发挥主观能动性，才能在演出中创造性地辅助表达戏剧内容和导演意图，展现风格、气氛，配合演员表演，引导观众视觉，将戏剧演出的两个重要因素紧密结合在一起，呈现出最佳的演出效果。